Histoire | ShotVoice

L’instant photographique unique dans la photographie moderne

The ShotVoice Team — Thu, 20 Aug 2026 13:32:38 +0000

Au contraire de la photographie posée qui nécessite du temps ou une mise en scène préalable, la photographie qui capte l’instant « à la volée » est un processus qui s’exprime toujours dans l’immédiateté. C’est celle qui saisit une situation en un fragment de temps, une vérité de l’apparition. Et son caractère unique et authentique lui sera toujours intrinsèquement lié malgré le fait qu’elle puisse être ultérieurement retouchée, recadrée à travers le jeu des applications présentes dans l’édition digitale d’aujourd’hui.

« Prendre sur le vif »

Voilà également un terme qui exprime le mieux la capture de ce temps singulier.

Saisir ce qui ne se reproduira plus, sorte de témoignage « hors temps », empreinte furtive, « l’instant décisif » de Cartier Bresson. Le plus important, c’est de véritablement « harponner » cet instant et pour l’amateur, peu importe la qualité photographique : netteté, cadrage, exposition ou qualité du point de fuite, seule la capture d’un élément clef compte et devient l’affirmation éclatante d’un point de vue, le sien.

Une photo = un point de vue ?

L’appréciation du caractère unique et original de la photographie est renforcée par le fait qu’elle provient d’un regard, celui d’une seule personne. Une transposition intime d’un portrait, d’un paysage ou d’une scène, à l’image des étudiants des beaux-arts aux chevalets alignés qui esquissent leur propre approche d’un même modèle. En fin de séance de pose : autant de dessins différents que de regards distincts. L’idée d’une photo originelle et non réplicable fait donc son chemin.

L’intention forcément personnelle d’une prise de vue ?

Si les photographes professionnels ont des impératifs précis et considèrent l’appareil photo comme un outil de travail, on peut se poser la question pour les amateurs. Qu’est-ce qui motive la capture d’images, de charrier avec soi un matériel parfois très lourd pour photographier au final un goûter d’enfants, l’ascension d’un sommet entre potes ou notre conjoint attablé dans une maison de thé à l’autre bout du monde ?

Que racontent ces clichés de nous-même ?

Garry Winogrand (1928-1984), photographe expérimental, évoquait non sans humour son propre regard en disant : « c’est ce à quoi ressemble le monde une fois photographié ».

N’avons-nous pas nous aussi une volonté de « figer », de s’inscrire à tout prix dans la société dans laquelle nous œuvrons et de l’afficher afin de prouver aux autres que l’on participe pleinement au processus ?

Nos photos deviennent tout à coup des témoignages irréfutables et deviendront même des jalons qui vont permettre de relater et transmettre notre propre histoire personnelle.

La photographie : une dimension émotionnelle de notre vie?

Remarquons que les photos prises dans les sphères amicale et familiale sont très souvent le gage de moments joyeux, de retrouvailles ou d’exploits. L’image nous offre une véritable relecture de notre vie passée et présente, de nos instants marquants. Elle teinte forcément notre vision et nos souvenirs eux-mêmes. Véritable objet transitionnel, l’image permet aussi de renouer aussitôt avec l’émotion, alors imprégnée dans l’instant photographié. Vecteur de sentiments, la photographie porte dans son ADN, ces ingrédients invisibles à l’œil nu.

La photographie, véritable fil d’Ariane

C’est la somme de toutes cette multitude de « points de vue » qui vont, au final, relater, tracer, construire la trame de notre vie. Celle que l’on évoque, celle que l’on transmet. Ces images vont constituer le fil entre les générations, entre les ascendants et les descendants. Qu’elles soient jetées en vrac dans une boite à chaussure, soigneusement étiquetées dans des albums ou stockées sur nos disques durs, la photographie tient une place formidable et même essentielle dans chaque famille pour la compréhension d’une époque et des destins croisés.

Déclinaisons satellites

L’image matérialise le bonheur et provoque le partage. Les outils de l’édition photographique aujourd’hui permettent à la photo un voyage à la fois dans le temps et dans la qualité : avec la possibilité de « rafraîchir » la photo originelle, de la recoloriser, la recadrer, lui offrir une plus grande netteté grâce aux logiciels dédiés.

Ce moment de grâce saisi au vol à l’origine, cette « matrice » photographique unique peut se décliner à l’envie et selon les rêveries de chacun. Et même si l’image est triturée, modifiée dans son format, exporter dans un autre fichier ou compresser, elle sera toujours issue de cet unique « coup d’œil immanent et transperçant » qu’évoque Cartier Bresson, la « source » en quelque sorte de toutes ces déclinaisons, à laquelle il sera toujours possible de revenir à tout moment.

Symbolique de l’instant

La photographie possède ce pouvoir étonnant de figer une fraction de seconde pour l’éternité. Ce que l’œil ne pourrait apercevoir, la photographie nous donne à le voir. Introspection très intime d’une scène. Hors temps qui permet parfois un décryptage passionnant de ce qui est invisible à l’œil nu. Un mystère qui n’offre pas toujours de résolution, comme le regard d’Antonin Artaud insondable, intense et qui nous interroge encore aujourd’hui. L’image peut éclairer ou nous renvoyer dans une réflexion.

« A mon avis, vous ne pouvez pas dire que vous avez vu quelque chose à fond si vous n’avez pas pris une photographie »

Émile Zola

La photo du «j’y étais»

On ne fait bien les choses que par soi-même, on ne voit bien les choses que quand

on les photographie soi-même. Contrairement aux reproductions proposées dans le commerce, ma photographie possède exactement le cadrage souhaité et entend souligner comme je l’entends un moment clef de ma vie. Il semble donc que renoncer à l’achat d’une carte postale dans un lieu touristique et opter pour sa propre interprétation, même imparfaite, a toujours plus de valeur à nos yeux car elle témoigne de notre présence.

On pourrait évoquer là une stratégie de l’ajustement de soi au monde et non l’inverse : photographier la Tour de Pise avec sa compagne en premier plan, faire un selfie familial au pied des pyramides égyptiennes rend plus « humain », moins « extérieur » et plus accessible ces monuments d’exception connus du monde entier. Ils sont présents dans la photographie mais pas de manière majeure. A travers notre regard, ces lieux mythiques s’invitent dans notre vie et non l’inverse.

La photo numérique, révélateur instantané de notre mémoire

Les outils que proposent la photographie numérique aujourd’hui viennent servir notre réflexion. Le stockage exceptionnel des photos dans un iPhone, une tablette ou un ordinateur permet en quelques clics de remonter le temps. Jour, mois, année, tout se déroule sous nos yeux et ravive à notre mémoire des détails oubliés. Cette remontée temporelle à portée de main est tout simplement vertigineuse car cette supra mémoire digitale vient compléter, rectifier et raviver la nôtre de manière infaillible. Les instants photographiques au fil de notre vie sont à l’image des petits cailloux blancs déposés sur le chemin. Ils constituent notre banque de donnée virtuelle de notre vie.

Crédit Photos: Loli Galina, Joris Delacour, Laura Ockel, Cartier Bresson.

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La culture du partage d’images et la transmission des émotions

The ShotVoice Team — Mon, 29 Dec 2025 10:03:00 +0000

La toute première envie de partager une image est sans doute celle de transmettre les sentiments qu’elle suscite en la regardant. Si les mots butent sur les limites de notre vocabulaire, la photographie prend alors le relais car elle permet d’abolir ces frontières et aller au-delà de notre raison pour toucher notre être et déployer des sensations que nos propres mots ne peuvent parfois atteindre.

L’apparition ces dernières années des réseaux sociaux a mis à notre disposition des territoires extraordinaires pour faire circuler les idées, favoriser les échanges mais aussi partager des photos : esthétique ou dérangeante, intime ou d’actualité, icône ou symbolique, la photo quand on décide de l’afficher sur notre « mur », est un acte très signifiant car il dit beaucoup de nous-même.

Le réseau social, terrain d’expression XXL pour l’image

« La révolution numérique, explique André Gunthert, historien de l’image, va tout d’abord faire exploser l’image sur le plan de sa production et de sa mobilité. Le fait de voir des images, de faire des images, de les discuter, de les envoyer, de les mettre en débat, a produit en de très courtes années, depuis 2010-2011, une nouvelle compétence visuelle qui est venue se substituer à une éducation à l’image inexistante.»

Les spécialistes de l’image avaient des compétences expertes mais pas le grand public qui, lui, restait à l’extérieur et qui était finalement juste un consommateur de production visuelle. Ce n’est plus le cas aujourd’hui. Les internautes possèdent un regard aiguisé sur la photographie, disposent de logiciels ultra performants qui suppriment la case du laboratoire, accessible essentiellement aux professionnels de l’image.

Qu’est-ce qui provoque le partage ?

Aujourd’hui, les amateurs de la photographie collectionnent les images, souvent découvertes sur les réseaux. S’établit alors une sorte de bibliothèque personnelle. Et comme dans la bibliothèque de tout honnête homme, le choix des lectures révèle les aspirations intimes, les goûts et les univers qui enchantent son possesseur.

Les valeurs clefs du partage

Ce cabinet de curiosités visuelles convoque les émotions et liste les territoires qui nous animent : la beauté, la tendresse, la poésie, le wow effect, les souvenirs, les aspirations, les sursauts du monde ou encore le côté feel good, tout ceci constitue les fondements de ce catalogue intime, peut-être même une identité. Une sorte de selfie pudique et intellectuel, celui de notre être intérieur.

Exemples de photos partagées

Jeu ou défi perso ? Les déclinaisons ludiques du partage

Le jeu de la ritournelle photographique sur les murs des réseaux en est un autre exemple. Une connaissance digitale vous invite à publier une photo chaque jour pendant une semaine ou chaque dimanche pendant un mois. La sélection, traduit encore une fois, votre état d’esprit, votre culture, vos centres d’intérêts voire vos prises de position. L’ingrédient majeur de ce jeu, c’est certainement la volonté de transmettre. Donner à voir ce qui nous anime ce jour précisément. La photo diffusée est un indicateur d’un instant T de soi.

De viseur à viseur ? Le terrain de l’échange n’est pas seulement épistolaire

Autre dispositif existant sur les plateformes digitales, le dialogue sans paroles entre photographes qui s’échangent chaque jour une image. Une sorte de journal intime à quatre mains et deux smartphones. Là encore la photographie transcrit des informations au-delà du verbe. Cette relation quotidienne, et non épistolaire, dessine le profil saisissant d’une amitié, le fondement même du partage entre deux personnes, nourries par une même passion.

Partage sans signature : une certaine idée de la réappropriation ?

La plupart du temps la signature de celle ou celui qui a conçu la prise de vue n’est pas mentionnée car « les images, une fois comprises, explique André Gunthert, font l’objet de réappropriations, de détournements ». Ces images sont à l’épreuve d’une nouvelle conversation, celle que l’on a choisi. A travers l’acte de poster l’image à cet instant, on souhaite dire quelque chose aux autres et là, le copyright importe peu. Ce n’est pas tant l’œuvre photographique qui est appréciée mais ce qu’elle véhicule comme idée ou souligne comme propos personnel.

Autres territoires du partage

Qu’est-ce qui motive l’envoi d’une image plus dérangeante, celle qui fait un pas de côté? Est-ce pour nous convier à une réflexion plus profonde? Selon le sujet et l’intensité, l’image va susciter une réaction, bousculer, nous arracher à notre zone de confort, elle entend bien sûr nous faire réagir. On songe aux images plasticiennes de Joël Peter Witkin, élaborées avec de véritables corps humains, au travail photographique documentaire d’ Eugène Richards sur la toxicomanie aux États-Unis ou sur les homeless de Lee Jeffries.

Élargir son champ de vision, appréhender le monde dans ses dimensions heureuses ou sordides, tels sont les commandements implicites de ces partages. Ici, la photographie témoigne, capte un réel inconnu de nous mais une fois regardée elle vient s’inscrire dans notre culture visuelle de manière indélébile, tout comme la lecture des pages de Primo Lévi.

Partage hors zone de confort : possible ou parfois impossible?

Parfois la photo dérangeante transcende même l’information et devient icône d’un drame. Comment ne pas se rappeler de la photo de Nilufar Demir qui a tant circulé sur les réseaux sociaux et les médias classiques, celle du petit Aylan Kurdi échoué sur une plage européenne et qu’il nous est difficile de colporter à nouveau.

Image symbole : la photographie qui échappe à son auteur ?

L’image peut également échapper au photographe lui-même, venir percuter la conscience collective et interpeller quiconque la regarde. De photo, elle devient symbole. Elle souligne la douleur, l’empathie et toute une cohorte de sentiments. Celle-ci sera partagée puis re-partagée et les plateformes numériques concourent à la démultiplication de ces photos d’exception. Une circulation qui devient rapidement exponentielle. Ces images diffusées sur les réseaux sociaux n’ont besoin d’aucun sous-titre ni commentaire. « La force de ces photographies symbolise à elle seule l’échec que nous sommes en train de vivre » commente Virginie Spies, Le Nouvel Obs.

Devenir son propre rédacteur en chef

Le partage de ces images si symboliques fait circuler du sens, et de la part des usagers c’est une manière de s’approprier l’espace médiatique, de le reconquérir, d’envisager même une sorte de travail éditorial en temps réel comme le précise André Gunthert. Les réseaux sociaux ont clairement permis ce champ d’applications. Aujourd’hui, devant la méfiance des médias traditionnels, les internautes, avec les compétences acquises en matière d’images, ont compris qu’ils pouvaient s’emparer de cet espace et de le faire sien.

Bibliothèque privée ou publique ?

Cette circulation visuelle n’est possible que lorsqu’elle est s’applique d’usager à usagers, d’ami à amis mais elle ne peut s’élargir sur le champ public car la question du copyright revient légitimement sur le devant de la scène.

La force de l’émotion, vecteur majeur du partage ?

A l’issue de ces différentes réflexions autour du partage : son territoire d’expression, l’idée de se constituer une bibliothèque visuelle signifiante, les différents modes de transmission – que ce soit sous forme d’invitation ou de conversation – il serait intéressant de se poser la question du pourquoi ? Pourquoi cette envie de se connecter à l’autre ou aux autres à travers une image proposée souvent sans mot, ni phrase ? Le dénominateur commun ne serait-il pas tout simplement l’émotion ? Les photos qui suscitent ce sentiment sont les plus diffusées et à y regarder de près, on remarque que cette émotion doit être plus puissante et doit toujours nous dépasser pour que le partage ait lieu. Voilà sans doute la vraie raison du partage.

Crédit Photo: Markus Winkler, DR , Eugène Richards , Lee Jeffries , Sergey Ponomarev and Corentin Fohlen.

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Le sourire en photo : pourquoi avons-nous commencé à sourire ?

The ShotVoice Team — Thu, 25 Sep 2025 17:24:00 +0000

Comment le sourire est-il devenu incontournable en photographie ? Sourire, on le sait, est une expression faciale qui met en lumière un état d’esprit heureux, une ouverture bienveillante au monde de notre part. Il se destine à créer du lien, en attirant un courant de sympathie, à abolir les distances et instaurer un climat de confiance en provoquant naturellement l’empathie. Mais les sourires, il en existe de toutes sortes : des niais, des éblouissants et lumineux, des « en coin », des nerveux, des narquois, des mystérieux, des mystiques, des manipulateurs et des trompeurs, des marketings, des chaleureux, des implicites et des ambigus,… bref, le sourire laisse filtrer en réalité une sacrée palette d’émotions et plutôt contradictoires.

Alors pourquoi le sourire est l’expression la plus utilisée quand on prend la pose devant un appareil photo ou un selfie ? Est-ce la meilleure représentation de soi ? Est-il censé résumer notre moi du moment ? Petite histoire sur une parade bien plus complexe qu’il n’y parait.

L' Art du sourire

À l’exception du sourire très doux de l’ange de la Cathédrale de Reims qui date de 1240, le sourire dans l’art n’était pas très fréquent au cours des siècles précédents. Sa présence dans la peinture ou la sculpture est même jugée scandaleuse car elle transgresse les conventions sociales. L’historien britannique Colin Jones explique qu’il était de bon ton de maîtriser son corps et ses émotions. L’art n’en est que le reflet. Bien sûr, l’hygiène déficiente de la dentition suggérait aussi des portraits à la bouche bien fermée car 30 ans rimaient fréquemment avec dents gâtés !

Il faudra attendre le XVIe siècle avec Antonello de Messine qui peint un marin au sourire grimaçant et surtout Léonard de Vinci, quelques années plus tard, avec La Joconde et son sourire énigmatique. Et c’est une grande première. Le musée de Cefalù en Sicile, où est présentée l’œuvre de Messine, mentionne d’ailleurs qu’il s’agit de la deuxième représentation au monde du sourire dans un portrait peint (bien qu’il soit antérieur à La Joconde). En s’affichant ainsi à cette époque le sourire témoigne aussi d’une modification dans les comportements en société.

Cette « marque de satisfaction intérieure » comme la définit Diderot et d’Alembert dans leur Encyclopédie s’affiche encore timidement aux XVIIe et XVIIIe siècles. Remercions surtout la prophylaxie dentaire née au XIXe siècle pour voir apparaître de véritables sourires aux dents blanches !

«Cheese, oustiti, sexy et sourire Gibbs»

Avec l’apparition des appareils photographiques destinés aux amateurs, le sourire va devenir le sésame des albums photos. Il faut afficher sa bonne santé, sa prospérité et sa joie de vivre. Le sourire est plus que de rigueur dans le monde des images, c’est même devenu une injonction photographique !

C’est dans les années 20-30 que l’on commence à prononcer le mot « cheese » devant un appareil photo pour sourire sur commande. « Ouistiti » et « sexy » seront les versions françaises pour la posture. Le sourire devient la norme et s’affiche partout : dans les campagnes publicitaires, les portraits chorales des entreprises, les affiches électorales, les gens célèbres croisés dans leur quotidien, tout le monde sourit sur le papier glacé et dans les bacs de révélateur. 1950, la marque de dentifrice Gibbs vante les mérites de son produit grâce aux sourires impeccables de Pierrette et de Pierre.

Mais au fond quelle part de nous-même, souhaite-t-on offrir au monde lorsque l’on sourit sur une photo ? La joie d’un apéro entre amis, les heureuses cousinades de l’été, les instants précieux captés à la volée ou encore la récompense d’un effort ?

C’est tout cela bien sûr mais n’est-ce pas aussi une posture sociale qui sous-entend afficher coûte que coûte notre bien-être, notre vie exceptionnelle et la chance d’en bénéficier ?

L’arrivée des smartphones a bouleversé l’espace dédié à la photographie. En quelques années, l’image s’est invitée dans notre vie, elle accompagne nos espaces intimes, elle révèle chaque instant de notre vie et le fait savoir. Avec cet outil si facile de maniement, photographier est devenu un acte quotidien et nous accompagne dans de nombreuses situations. Avec les smartphones sont apparues aussi les applications destinées spécifiquement à la photographie. Faciles d’utilisation et souvent très performantes, elles ont véritablement révolutionné la pratique photographique et suscité des créations étonnantes…

Les sourires de Olly Gibbs...

L’artiste londonien Olly Gibbs a réalisé un travail photographique où le sourire devient l’élément capital de sa création. Grâce à l’application FaceApp, il décide de rendre le sourire à tous les tableaux ou sculptures à tendance dépressive. Le résultat est joyeux à souhait et redonne la banane aux plus mélancoliques portraits flamands !

...ou ceux de BeenyVD

Le photographe Beeny VD propose un travail super feel good en proposant de mettre son talent de photographe pro au service des gens de la rue. « Je me suis dit que ça pourrait être pas mal d’aller dans la rue et redonner un peu le sourire aux gens. » Vincent alias Beeny VD, boitier en bandoulière, sillonne donc les villes et interpelle les gens dans les parcs, les abribus ou les files d’attente pour leur proposer un cliché d’eux avec le sourire. Et ça marche car tout le monde se prête au jeu du bonheur affiché et immortalisé par un pro.

Le phénomène « selfie »

L’arrivée des réseaux sociaux a suscité une mise en avant de notre vie et de nos activités de manière phénoménale. Tout naturellement la photo est venue s’intégrer dans cette loupe XXL de notre vie. Facebook, Instagram ou Snapchat relayent nuit et jour les états d’âme, les habitudes ou les situations et l’autoportrait s’est naturellement imposé dans ce débordement continu d’informations. La prise de vue de soi toujours flatteuse, inspirante, en groupe ou en close-up, a constitué une véritable révolution dans notre société et dans notre rapport à l’autre. Influenceur(ses), hommes politiques, artistes, même le Pape François se sont mis au selfie. L’égo-portrait est donc rapidement devenu un outil marketing où les marques se bousculent au portillon du moindre influenceur(ses). Le sourire en selfie est même devenu un mode de paiement sécurisé pour Amazon. Là aussi les apps qui façonnent le « selfie » sont pléthoriques et plutôt bien faites : animations, retouches en mode chirurgie esthétique, apports ludiques pour personnaliser ses selfies.

Acte narcissique le « selfie » ? Certes mais pas que. C’est réaliser bien sûr une photo de soi-même, c’est à dire se mettre en scène en retournant l’appareil vers soi, donc dos au monde, mais c’est aussi pour partager, créer du lien, de l’échange, du commentaire, du « like » et témoigner également d’une identité communautaire, comme par exemple afficher une appartenance à un parti ou un club de foot. Il existe, selon Pauline Escande-Gauquié, maître de conférences à l’Université Paris Sorbonne CELSA, une fascination du selfie car il crée un jeu de regard totalement inédit : Je me regarde, tu me regardes et je te regarde me regarder. C’est donc un acte de sociabilité qui souligne que le fait que si l’on me regarde j’existe. Le selfie permet donc un jeu très important dans la construction identitaire mais aussi collective et le sourire fait partie du combo gagnant.

Vous êtes Duck face ou Sparrow face ?

Si le sourire « selfie » était le pass obligatoire aux « like », d’autres expressions viennent chahuter cette bonne vieille expression du bonheur. Exit donc le sourire considéré un poil ringard, place au Duck face, la mimique qui consiste à serrer et avancer les lèvres tout en creusant les joues.

Mais faites vite car ce Duck Face est en passe d’être détrôné lui aussi par le Sparrow face (visage de moineau), dernière petite révolution venue du Japon qui consiste, là, à ouvrir les yeux en grand ainsi que la bouche, comme un oisillon attendant la becquée, le tout accompagné d’un V de la victoire.

Le dernier mood made in XXIe siècle

Il semblerait donc que le sourire ces derniers temps a du plomb dans l’aile et qu’il soit même un peu ringard et pas que pour les « selfie ». Dernière tendance, celle du visage fermé et impassible. Pour preuve la moue de la célèbre journaliste de mode Ana Wintour qui ne décroche plus de sourires depuis fort longtemps lors des défilés de la « fashion week ».

Quelle interprétation doit-on tirer de ce changement radical d’expressions faciales face à l’objectif ?

Contre coup de la banalité du sourire sur les clichés ?

Version distanciée et étudiée face au monde qui nous entoure ?

Témoignage d’une nouvelle posture sociale ?

Question ouverte…

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Histoire de la photographie : des origines à aujourd’hui

The ShotVoice Team — Fri, 19 Sep 2025 11:48:00 +0000

Aujourd’hui, nous sommes immergés dans une civilisation où l’image est omniprésente. Cela nous paraît évident de voir surgir des images, de les réaliser nous-même en un seul clic, mais avez-vous une petite idée de comment est née la photographie ?

Par quel processus est issu la photo ? Quels ont été les concepteurs de cette magnifique invention ? Une vague idée ?

Retraçons en quelques grands lignes cette fabuleuse et un peu folle épopée de la photographie.

Le mystère de la chambre noire

Tout d’abord, il faut savoir que c’est la somme de deux sciences, l’optique et la chimie, pour que la photo existe : une chambre noire, la camera obscura, et un révélateur.

Faites l’essai en grandeur nature : imaginez-vous dans une pièce, entièrement close, où vous ne laissez entrer la lumière de la fenêtre que par un tout petit trou. Vous êtes dans le noir. Quelques instants plus tard, vous verrez apparaître une image (celle de votre rue) sur le mur en image inversée.

Explication : les rayons lumineux qui pénètrent dans une optique (en l’espèce le petit trou de votre fenêtre) renvoient l’image à l’envers. Notre cerveau, lui, a l’habitude de remettre à l’endroit ce que voient nos yeux, plus pratique. Mais poursuivons l’expérience : si on affiche sur le mur de votre pièce un support chimique spécifique, type chlorure d’argent, alors l’image projetée va s’imprimer, elle va se fixer sur ce support et devient une photographie. Simple non ?

Plongée historique avec Niepce, Daguerre, Fox et Lumière.

Quelques pionniers vont, chacun leur tour, apporter une pierre à l’édifice photographique et venir sophistiquer le procédé. Même si la première camera obscura a, dit-on, vu le jour en 1671, une machine à lumière plus élaborée est imaginée par Nicéphore Niepce en 1816 pour capturer les images. Ces images ont toutefois un défaut : elles s’effacent peu à peu à la lumière du jour. En apportant son concours à Louis-Jacques Daguerre, celui-ci va développer,

En 1838, le principe qui prendra son nom : un positif direct sur plaque de cuivre recouverte d’argent pur et exposé à la lumière. Le daguerréotype voit le jour, c’est une photo mais elle reste non reproductible. Une autre invention suit rapidement la première : une immersion dans une eau saturée de sel va enfin permettre de fixer définitivement l’image. En 1839, on peut dire que le développement photographique est né.

De plus, Cinq ans plus tard, William Henry Fox, met au point le calotype, un négatif intermédiaire qui va permettre enfin la multiplication d’une même image. La photo devient donc reproductible ! Ce principe du négatif-positif sera toujours utilisé et ce, jusqu’à l’arrivée de l’image numérique.

L’arrivée de l’obturateur en 1880 vient sophistiquer le temps de pose et donc la qualité et l’intensité photographiques. Quant à la couleur, après quelques balbutiements autour des 3 couleurs fondamentales, le rouge, le jaune et le bleu, ce sont les frères Auguste et Louis Lumière qui, en 1906, proposeront l’autochrome.

Avec toutes ces formidables inventions, bientôt de nombreux studios de photos vont apparaître à Paris. Il est de bon ton d’aller se faire « tirer le portrait » par ces photographes qui manient la chambre avec dextérité. On pense à Nadar qui immortalise beaucoup de célébrités comme la grande tragédienne Sarah Bernard ou les poètes Rimbaud et Baudelaire ; Gustave Le Gray qui devient le photographe officiel de Louis Napoléon Bonaparte ; Eugène Disdéri qui invente le portrait carte de visite (l’ancêtre du photomaton en quelque sorte) ou encore Emilien Sully, chapelier reconverti photographe et qui se distingue à l’exposition internationale d’Art photographique d’Alger en 1910. Les riches familles industrielles raffolent des portraits photographiques en couple, avec enfants ou en solo. La photographie à la côte car elle se révèle moins gourmande et plus rapide qu’une peinture.

Dans le chariot des pionniers

La moitié du XIXe siècle est caractérisée par le goût de la découverte notamment des nations, des peuples, des sites ou des paysages. Malgré la lourdeur et l’encombrement de la technique (chambre, trépied et grands plans films), certains pionniers de la photographie vont devenir ambulants et ne vont pas hésiter à parcourir le monde. La photographie devient l’outil majeur des explorateurs. Citons-en deux.

Edward Shérif Curtis est sans doute le photographe ethnologue le plus exceptionnel. Il réalise avec sa chambre plus de 50 000 clichés sur les tribus indiennes d’Amérique et constituera le patrimoine photographique de ce peuple natif.

A cette époque, les appareils photographiques ne cessent d’évoluer. La modernité de la photographie est soulignée par un délai d’intervention de plus en plus court et qui va, bien sûr, modifier sa relation à l’actualité ou un événement pris sur le vif. Les appareils plus petits, plus maniables avec l’obturateur à volet permettront dès lors une prise de vue instantanée : « On vise, on déclenche ».

Les appareils de l’instantanéité

Ernest Bourgarel, diplomate français qui traverse le monde à la fin du XIXe siècle (Asie, Moyen Orient, Amérique latine), ambassadeur de France en Colombie de 1895 à 1900, saisit rapidement l’intérêt de la photographie. Il va être un des premiers acheteurs de l’invention de Georges Eastman (Kodak) en 1890, le premier appareil photo portable à pellicule souple (en nitrate de cellulose) qui viendra remplacer les fragiles plaques de verre. La révolution Kodak vient de démarrer.

« L’Eastman Kodak apporte l’instantanéité des appareils, explique Charles Henri Dubail, éditeur et dépositaire du Fonds Bourgarel, Grâce à ce petit appareil, certes pas très performant en termes de qualité d’image, tout devenait possible : prendre quelqu’un qui s’avance vers vous, des hommes armés qui passent. La technique à la chambre qui nécessitait « un train de mule » pour être déplacée et dont le rendu était plus statique et moins vivant, va bientôt péricliter et, avec elle, l’« Ave de paso » (l’oiseau de passage) comme était appelé le photographe ambulant en Amérique Latine à cette époque. »

Le principe du système Kodak ? Eastman a cherché à simplifier les opérations. Il a réduit la séparation entre la prise d’une photographie et la partie laissée au spécialiste, c’est-à-dire le développement des images : « Appuyez sur le bouton, nous faisons le reste » soulignaient les publicités.

« Bourgarel, le Colombien » – Le diplomate français du voyage en Colombie au XIXe siècle, (ediSens, 2017).

La petite boutique vintage de l’instantanéité

Qui se souvient du « Clic clac, merci Kodak »

La marque Kodak, créée voilà 140 ans, est réellement révolutionnaire car elle s’adresse cette fois-ci aux amateurs. Le monde de la photographie se simplifie.

La mémoire de chaque famille ne serait rien sans Kodak. Souvenez-vous des instants partagés de vos parents, immortalisés par les bobines jaunes, l’arrivée des Instamatic avec sa pellicule insérée dans une cartouche puis les petits appareils jaunes en carton créés plus tardivement qui ont fait le bonheur des néophytes et des enfants.

Ce que l’on sait moins c’est que l’inventeur de la photo numérique en 1975 c’est Kodak. Eh oui ! Ils avaient conçu un prototype baptisé « film-less photography » qui affichait une définition de 0,01 megapixel ! Mais hélas, le géant va faire le pire choix stratégique puisqu’il décide de ne pas commercialiser son innovation, de peur de tuer le marché de la pellicule qui domine alors. Kodak va se faire distancer rapidement par Sony, Canon et Fuji. En 2012, c’est le clap de la liquidation.

Polaroid, the freshly baked bun

Voilà aussi un produit qui va véritablement bousculer le monde de la photographie. La société Polaroid met au point un procédé à développement instantané en …1948 ! Etonnant ! Cet appareil tout-en-un est très populaire chez les amateurs qui se l’arrachent malgré le coût un peu onéreux des cartouches. Il est très exploité également par les pros qui l’utilisent en tant que test pour contrôler leur lumière lors de leur shooting, quant aux explorateurs, ils n’hésitent pas à embarquer dans leur sac ce Polaroid, en complément, idéal pour offrir à certaines ethnies lointaines leurs portraits en instantané. Objet quasi magique !

En 2009, Polaroid bascule, lui aussi vers le numérique, le Polaroid Two est créé, un appareil numérique de 5 mégapixels avec imprimante incorporée qui permet de sélectionner la photo que l’on souhaite imprimer. Saluons la dimension économe et frugale mise en avant de cette dernière version numérique, toutefois elle ne rencontre pas le succès auquel on pouvait s’attendre.

Argentique, vous avez dit argentique ?

La photographie argentique ne doit son nom qu’au fait de l’exposition d’une pellicule photosensible à la lumière. Ce film plastique est recouvert d’une émulsion, sorte de gélatine, qui contient précisément des ions d’argent et des ions iode. Pour la chimie on s’arrête là !

Mais en fait, on parle vraiment d’argentique que depuis les années 2000. Savez-vous pourquoi ? Il fallait, en fait, distinguer la photographie traditionnelle, dite argentique, face à la nouvelle, la numérique.

Leica, la grande claque

Retour en arrière, en 1905, un ingénieur allemand invente le négatif 24 x 36 mm. Son idée géniale ? Emprunter au cinéma la pellicule 35 mm mais en la faisant défiler horizontalement, ce qui permet d’augmenter la surface utilisable.

En 1924, la société Leica créée un boîtier compact avec objectif fixe d’une qualité exceptionnelle (lentille Leitz, toujours d’actualité) et sa fameuse pellicule 24 x 36. Une véritable Rolls Royce !

Des modèles simples, légers, robustes qui vont séduire et séduisent encore aujourd’hui plusieurs générations de photographes. Le Leica-M sera l’appareil fétiche de Henri Cartier Bresson, Robert Capa, Robert Doisneau, Edouard Boubat ou Marie-Laure de Decker,…. Depuis 2005, Leica se conjugue en mode numérique. Le M10 étant l’ultime version la plus élaborée mais sans pour autant renoncer à la visée télémétrique. (Attention photo différente Leica M10 et non M9 !)

Du grain au pixel

L’ère du numérique a totalement modifié notre perception de la photographie et son rapport à elle. On ne compte plus nos prises de vues en pensant à nos 36 vues et au prix de la planche contact. On rectifie le cadre ou la luminosité aussitôt puisqu’on visualise instantanément nos œuvres. Avec l’IA une photo floue redevient nette et les applications dédiées à la photo rectifient, redressent, re-colorisent, suppriment un personnage ou proposent un ciel bleu éclatant. Difficile de rater une image même si on sait que plus 80% d’une photographie réussie est dû à l’œil et non à l’outil. Sa diffusion et son archivage très faciles sont également des atouts non négligeables.

En revanche, l’argentique offre une meilleure qualité dans les tirages de grande envergure. Le numérique peine, encore à ce jour, en définition lors des agrandissements.

« Moi je cherche le pixel pour situer la photo dans le temps » explique Olivier Thomas, photographe de reportage, « c’est une sorte de datation de mon travail.

Il y a eu la période du grain, plus ou moins fin, et puis l’arrivée du pixel. Les outils numériques ont leurs qualités et leurs défauts. On ne fait pas une photo aujourd’hui comme on la faisait avec un appareil argentique. Et quand on se sert du numérique pour faire des images à la manière de l’argentique, on commet une grave erreur à mon sens.

Tout comme la vidéo à ses débuts, face au 35 mm, avec ses images qui manquent de précisions et qui offraient une texture particulière, le numérique a ses atouts et il faut précisément jouer avec celles-ci et ne pas tenter d’imiter ce qui a déjà été produit. Et puis, il y a un point qui me paraît essentiel, le numérique invite à la profusion des images, on soigne moins ses clichés et globalement si je fais l’analyse de mon travail entre l’argentique et le numérique, je remarque que le nombre de bonnes photos sur un reportage sont moins nombreuses en numérique qu’avec mon vieux argentique. Cela donne matière à réflexion ».

On l’a compris, ça balance pas mal entre les deux. Le numérique a immensément popularisé la photographie, a fait connaître le travail de photographes talentueux grâce aux réseaux sociaux et aux apps incroyables existantes sur le marché.Pour les nostalgiques, des applications modernes numériques proposent des rendus photographiques des appareils de légende : Instamatic et Polaroid sont désormais proposées par l’application Hipstamatic. Couleurs fanées, contours effilochés tirant vers la surexposition mais ne nous leurrons pas, là on parle de texture vintage, en aucun cas du concept de la photo instantanée.

Quand le numérique aide à plonger dans le passé : l’impression 3D

Et si certains photographes, lassés par le numérique, veulent revenir aux sources de la photographie, le numérique propose aussi une remontée dans le temps. L’impression 3D classique, la technologie FDM (Fused Deposition Modeling) est utilisée pour la reproduction de nombreux accessoires mais côté appareil photo, l’offre est, parait-il, moins performante.

Les modèles les plus reproductibles sont le sténopé (rappelez-vous l’exercice de la chambre et du trou dans la fenêtre). Le site pixelvalley.com vous propose un sténopé numérique à réaliser par vous-même !

Concernant les vrais appareils photos, deux innovations : Il y a l’Open Reflex de Léo Marius, un boîtier en open source compatible avec les optiques Nikon mais qui propose seulement une ouverture unique au 1/60 s et le SLO, créé par Amos Dudley, un compact à focale fixe dont tous les éléments (même l’optique) sont imprimés en plastique.

En conclusion, Après ce tour d’horizon assez vertigineux, que l’on soit amateur de la chambre photographique, encore présente de nos jours, fan de l’argentique ou adepte des nouvelles technos et du numérique, seule dénominateur commun qui ne changera jamais et qui constitue le talent absolu du photographe : votre œil. A bon entendeur salut !

Crédits Photos: Mick Haupt, Kodak B rand,

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Photo d’identité : du portrait à l’expression de soi

The ShotVoice Team — Tue, 19 Aug 2025 16:19:00 +0000

Un simple petit rectangle cartonné, 35 mm de hauteur, 45 mm de largeur, voilà le cadre imparti pour définir notre identité, prouver qu’il s’agit bien de nous. Cette représentation qui perdure depuis le XIXe siècle paraît totalement archaïque et pourtant le portrait photographique de face constitue encore notre identité officielle même en 2023.

Elle est censée résumer l’individu et permettre la reconnaissance par l’Autre, par la société toute entière. Ce sésame photographique, pris à un instant T, ne cesse de s’éloigner de nous au fil des mois ou des années mais qu’importe il valide toujours notre propre identité. Par cette photo, nous devenons aussi responsables de notre identité, nous devons la justifier à tout instant par ce bout de papier.

Aujourd’hui avec l’avènement du monde digital ce portrait désuet aurait pu disparaître, étonnamment il s’est au contraire démultiplié. Accessible à tous et à portée de main, chacun s’est emparé de cette image miroir et donne à voir de multiples versions de soi. Cette croissance presque délirante de notre reflet incite à de nouvelles définitions de la représentation de soi.

Historique: Du portrait à la photo d’identité

Une quinzaine d’années après la naissance officielle de la photographie, en 1854, un certain Eugène Disdéri conçoit une chambre noiære à plusieurs objectifs qui lui permet d’associer plusieurs prises de vue sur une même plaque. Cette technique va réduire fortement les coûts et peut ainsi proposer le portrait-carte à ses clients à un prix abordable. Un vrai succès ! En 1864, Plus de 2 400 cartes de visite sont ainsi éditées quotidiennement par les ateliers parisiens Disdéri. Napoléon III succombe même à ces photos-cartes de visite pour sa propre propagande. Par ce procédé plus économique, la photographie va se démocratiser et ne sera plus l’apanage des fortunés. Ces portraits-cartes vont véritablement révolutionner la photographie. Jusqu’à la Première Guerre mondiale, plusieurs milliers de portraits-cartes vont ainsi voir le jour.

Jean Poyet, peintre et photographe de studio à Épernay, va plus loin et sophistique les portraits en construisant de vrais décors : tentures peintes, drapés, végétations, fauteuils, la carte de visite photographique est plus élaborée, voire même repeinte, pour certaines.

De la photo carte de visite à la photo anthropométrique

Et si la mode du portrait-carte va décliner au début du XXe siècle, ce n’est pas par manque de popularité, bien au contraire, c’est la photographie d’amateur qui va prendre le relais. Les familles vont délaisser le portraitiste professionnel dont les tirages offrent moins de spontanéité au profit de photos prises dans le cercle intime.

Toutefois, cette photo-carte de visite va tout de même inspirer un jeune fonctionnaire du service de la photographie à la Préfecture de Paris. Alphonse Bertillon, en effet, découvre que les mensurations d’un individu (nez, oreilles, écartement des yeux, implantation de la chevelure, …) permettent une identification très précise. Le portrait d’identification juridiquede face et de profil voit donc le jour avec un cahier des charges rigoureux : fond uniforme, lumière diffuse venant de la gauche, cadrage aux épaules, sans retouche, regard horizontal droit devant. On est bien loin de la carte-photo de Disdéri ou de Poyet où la photographie faisait transparaître, à dessein, l’appartenance à une classe précise de la société avec toutes ces mises en scène. Avec Bertillon, la photographie se dépouille, devient individuelle, centrée sur le physique unique de chacun.

Des patibulaires à la société française toute entière

Cette technique « bertillonnienne » d’identification ne va plus seulement concerner les criminels, les nomades ou les étrangers mais la société civile française dans sa globalité. La loi du 27 octobre de 1940 indique que tout citoyen de plus de 16 ans est tenu de se faire délivrer par les autorités une carte personnelle comprenant son portrait et ses empreintes digitales. Cette exactitude documentaire, en format réduit de l’individu et en deux dimensions, fixe désormais une représentation de nous-même. La photo d’identité dans sa forme moderne vient de naître.

80 ans plus tard, il est toujours surprenant que notre identité soit toujours validée par ce petit format et même valable pour une décennie. Carte d’identité, passeport, carte vitale, inscriptions en sport ou en fac, permis de conduire, CV, trombinoscope d’entreprises, … les papiers administratifs qui régissent notre vie en société font toujours appel à cette photo sans expression, captée à un moment précis de notre vie.

La photographie de portefeuille

Les Rencontres d’Arles en 2023 ont présenté le travail photographique d’un studio de photo à Marseille effectué entre 1966 à 1985 et qui retrace l’importance de la photo d’identité comme premier élément d’intégration pour une population venue chercher un nouvel eldorado. Le studio Rex possède de nombreuses archives de ces photos de portefeuille dont on garde tous précieusement certains exemplaires. « De véritables images-talismans qui accompagnent ses porteurs, (…), témoins intimes de fragments d’affects qui laissent percevoir l’écume visuelle de mémoires sensibles, échouées en un lieu portuaire aux portes de trois continents. »

Des visages graves, des attitudes dignes et des tenues européennes à la mesure de l’enjeu qui se noue derrière ces portraits.

La photographie témoignage du succès, celle qui relate l’implantation d’une population étrangère et de sa bonne fortune, n’est pas sans rappeler celle élaborée par Poyet au XIXe siècle avec ses décors soulignant la même intention de donner à voir sa prospérité.

Photo administrative de 2023 : Que dit la loi ?

La loi de 2009 renforce le cahier des charges de 1940 : Le fond doit être de couleur claire mais le blanc est interdit. La tête doit être nue, les couvre-chefs interdits. Le sujet doit adopter une expression neutre et avoir la bouche fermée. Le visage doit être dégagé. Les yeux doivent être parfaitement visibles et ouverts. Les montures de lunette épaisses sont interdites, les verres teintés et avec reflets sont prohibés.

Avec toutes ces données, cette image de soi est souvent considérée comme une épreuve, voire une véritable trahison. Qui se trouve beau ou jolie sur sa photo de passeport ou de sa carte vitale ? La photo d’identité n’est pas celle que l’on a envie de montrer. En réalité, ce visage immobile, sans émotion, ne nous ressemble pas et ne témoigne pas de qui nous sommes réellement.

L’arrivée du Photomaton

L’invention du Photomaton à New York en 1926 va révolutionner la photo d’identité. Un vent de liberté va s’exprimer derrière le rideau accordéon et la cabine dans laquelle on s’installe, après avoir choisi son fond de couleur et dérouler le tabouret. Bien que créé à l’origine pour la photo administrative, délires, grimaces en solo, en couple ou en bande vont déferler dans ce mini studio plus intime. Un véritable terrain de jeux photographique, fantaisiste, loin de la sérieuse photo d’identité. L’intérêt de cette cabine posée dans les lieux publics ? Une pièce glissée dans la fente, un studio loin des regards et la réception de 4 petites photos une poignée de minutes après l’exposition.

Détournements artistiques de la photo d’identité

Cette fabuleuse machine qui immortalise notre bobine a suscité beaucoup d’engouements et les artistes n’ont pas tardé à s’emparer de cette photographie multiple pour lui donner une dimension jusqu’alors inconnue : André Breton, Magritte, Andy Warhol ou JR s’y sont collés avec bonheur et jubilation. Andy Warhol installe une photo-cabine dans son atelier la Factory et va créer sa première sérigraphie en couleur avec un collage de 36 portraits d’Éthel Scull. Cette œuvre de photos d’identité est aujourd’hui considérée comme majeure du Pop Art.

Autre projet artistique Inside Out : avec son camion-photomaton l’artiste photographe JR a tiré le portrait de tous ceux qui le souhaitent. Plus de 320 000 personnes dans plus de 140 pays ont participé à cette aventure créatrice, celle de réinventer son image et occuper l’espace public pour soutenir une cause ou une idée.

La photo d’identité festive et contemporaine

Évoquons également le travail créatif de Muriel Borovi qui « photomate » joyeusement les gens d’une région, d’une fête privée ou d’un événement mode. L’esprit photomaton est bien là mais aussi les portraits-cartes de visite, en version XXIe siècle, petit clin d’œil à l’œuvre de Jean Poyet. www.laphotomobile.fr

XXIe siècle : la surproduction délirante de notre identité

Le photomaton, ancêtre du selfie ?

Cette liberté joyeuse de la représentation de soi redéfinit d’une certaine façon notre identité. Avec l’apparition des smartphones dotés d’un appareil photo et la création des réseaux sociaux tels que Facebook (littéralement le livre des visages), Instagram, Twitter, des plateformes professionnelles comme Linkedin ou des sites de rencontres comme Tinder,… le nombre de portraits visibles sur la toile s’est rapidement démultiplié.

Autre élément qui va changer radicalement notre rapport à l’image, c’est le fait de se passer de la présence d’un photographe. Plus besoin de l’autre, tout comme le photomaton on peut désormais s’auto-photographier. La déferlante narcissique appelée selfie prend racine. Chaque « moi » est immortalisé, diffusé, balancé sur le monde virtuel. Tout le monde peut faire sa photo d’identité d’où il veut et quand il en a besoin.

Les facettes de nous-même constamment mises en scène

La photo de profil est modifiée en permanence, selon l’humeur, les voyages, les rencontres. C’est une mise en lumière de plusieurs « moi », véritable fragmentation de l’identité. Ce déploiement de l’image engendre de nouvelles définitions de l’identité et des représentations de soi, face à l’autre, face à soi-même, face à l’écran… On voit combien les enjeux autour de l’entité numérique et plus spécifiquement des photos de profils évoluent sans cesse.

Petits aménagements avec la réalité de notre physionomie

Il existe, à ce jour, des applications dédiées à la photographie, et plus spécifiquement à la photo d’identité et ses astuces pour l’embellir. Tricher sur son ovale du visage, le volume et la couleur des cheveux, agrandir son regard, supprimer l’acné, offrir un teint lumineux, tout est possible. YouCam Perfect, YouCam MakeUp, Pixtica ou encore Face App, sont des applis bonnes fées qui exaucent nos désirs et même au-delà. Notre photo de profil est relookée en version mannequin ou, plus simplement, est corrigée de ces petits défauts inesthétiques. Coiffure, maquillage, expression et couleurs déco sont révisés pour la bonne cause : nous rendre plus beau ou plus attractif que l’on est en réalité.

L’Intelligence Artificielle s’inscrit dans l’esthétique photographique

Le secteur se révèle si florissant qu’il n’est pas étonnant que l’IA intervienne et propose un véritable sur-mesure de la beauté photographique. BeautyPlus AI, est un éditeur de logiciels, tous dédiés aux selfies, photos, vidéos de notre production. Nous pouvons instantanément prendre de jolis selfies et les retoucher, supprimer les imperfections, expérimenter le changement de couleur de cheveux, le blanchissement des dents, affiner le visage et le corps, essayez des looks de maquillage tendance tout en supprimant l’arrière-plan.

Les outils de l’IA nous permettent même de créer des images incroyables comme nous dessiner en quelques secondes avec la caméra AI Anime ou le filtre Anime, transformer nos selfies en versions époustouflantes et surnaturelles de nous-même avec des avatars IA, supprimer sans effort les personnes ou les objets indésirables afin de nous concentrer exclusivement sur nous. Réalisez enfin nos rêves avec Body Editor : agrandir notre allure, affiner notre taille, nos bras, notre visage, pour créer de toute pièce une superbe silhouette. Libérer notre créativité comme l’éditeur le vante sans oublier, bien sûr, de poster nos nouveaux « moi ».

Et comme les excès suscitent toujours leurs contraires, l’apparition de l’application BeReal, tes amis pour de vrai vient contrebalancer cette réalité toute virtuelle et entend inverser ce processus délirant en invitant les utilisateurs à cultiver l’authenticité et supprimer tout artifice. Ce nouveau réseau social propose, en effet, de partager, une fois par jour, une photo non retouchée et infalsifiable. Un échange à la mesure de la vraie vie.

Dans un même esprit, l’application Be Fake vous invite, elle, tout au contraire à délirer mais en toute transparence. « It’s time to be fake ». On annonce la couleur et on encourage à trafiquer ouvertement et dans un esprit plutôt potache tous nos selfies.

L’avenir de la reconnaissance faciale

La photo, la vidéo, sont des territoires dans lesquels l’IA Un a su développer de nombreuses applications, souvent ludiques, mais d’autres champs d’applications de l’IA peuvent interroger notamment sur l’identification d’un individu.

La reconnaissance faciale développée par l’intelligence artificielle est bien éloignée de la méthode Bertillon et de notre petite photo d’identité. Les dispositifs de reconnaissance faciale sont de plus en plus utilisés, essentiellement à des fins policières, de surveillance et de sécurité publique. Les avantages sont aussi nombreux que les risques. On songe aux libertés individuelles, à celles d’aller et venir, de se réunir ou de manifester, de ne pas être discriminer ou encore de respecter la vie privée. Les risques d’utilisation abusive et les taux d’erreurs ne sont pas à négliger. Un outil à mettre exclusivement entre de bonnes mains, où la conscience sociale et l’éthique doivent être les uniques moteurs de son exploitation.

Conclusion

L’image de soi aujourd’hui a-t-elle toujours autant de valeur quant à la représentation de notre être ? Aujourd’hui, elle ne constitue plus vraiment une preuve valable de notre véritable identité. L’intelligence artificielle prend le relais à travers une reconnaissance visuelle bien plus sophistiquée. Est-elle à craindre comme le suppose le philosophe Edgar Morin lorsqu’il explique qu’avec le portable, le monde virtuel d’internet et la reconnaissance faciale, ces trois éléments offrent à n’importe quelle puissance les clefs de notre vie et de notre image ?

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Qu’est-ce que l’inspiration en photographie et comment la trouver ?

The ShotVoice Team — Fri, 27 Jan 2023 15:53:32 +0000

La perception que nous avons du monde et que l’on restitue dans un travail photographique est initiée par l’inspiration qui nous anime. Mais en vérité de quoi est constituée notre inspiration ?

Histoire d’un processus créatif

Quand nous décidons de déclencher notre appareil, ce geste, a priori anodin, est-il guidé par notre bagage culturel, par des archétypes communs à chacun de nous ? Est-ce une référence inconsciente ou consciente de quelque chose que nous avons déjà vu, qui nous a séduit et que nous voulons reproduire ? Comme la pose d’un danseur de Pina Bausch ou d’un personnage de Leonard de Vinci ? Une scène de rue de Edward Hooper, un portrait en ombre et lumière du peintre Zurbaran ou du photographe Richard Avedon ? Une fleur de Robert Mapplethorpe aperçue en couverture d’un magazine d’art ?

La réinterprétation d’une œuvre originale serait-elle un plagiat ? Inspirer est-ce copier ? A partir de quels éléments l’inspiration est-elle considérée comme une contrefaçon ? La frontière est parfois délicate à saisir. L’histoire de la photographie et de l’art montre à quel point l’imaginaire des artistes se nourrit les uns des autres. « L’idée d’originalité totale doit être rejetée, personne n’est capable de créer quelque chose à partir de rien, même dans l’œuvre la moins influencée par l’extérieur », explique le chilien Juan Pablo Klenner, spécialiste des droits d’auteurs en matière d’architecture.

Qu’est-ce qu’un plagiat ?

Que dit la loi ? Un plagiat est une faute d’ordre moral, civil ou commercial, qui peut être sanctionnée pénalement. Il est souvent assimilé à un vol immatériel, c’est-à-dire à celui qui s’approprie indûment ou frauduleusement tout ou partie d’une œuvre littéraire, technique ou artistique. Certains même l’étendent à un style, à des idées ou à des faits.

En droit français, le terme employé est la contrefaçon.

Les plagiats ont existé de tout temps. Si l’on se réfère au secteur musical, on pense à celui de Pharell William pour Happy à partir d’une partition de Marvin Gaye, celui de Prince pour The Most beautiful Girl in the word, de Kurt Cobain pour As comme you are ou de Led Zeppelin pour Stairway to Heaven.

En littérature les plagiats sont également légion, Montaigne a plagié Plutarque et Molière, quant à lui, s’est fortement inspiré d’un comique latin appelé Plaute (-2e siècle av JC) pour sa pièce de l’Avare !

Simple inspiration, hommage ou contrefaçon ?

L’inspiration, nous l’avons compris, est guidée par nos références, nos rencontres, nos études, notre enfance ou notre vie quotidienne. Ainsi la photographe culinaire Aimee Twigger est autant inspirée par Vermeer que par la nature. Ou encore Noémia Prada, qui excèle dans la photo en noir et blanc, trouve son inspiration dans la musique et son monde intérieur. Ce qui distingue le plagiat d’une œuvre originale est son degré d’inspiration. L’importance de l’emprunt va permettre de considérer s’il s’agit d’une inspiration qui s’appuie sur les tendances ou l’air du temps, d’un hommage appuyé clairement explicite ou la copie pure et simple sans aucune mention de l’œuvre originale.

Une œuvre influencée par le travail des autres mais avec une véritable valeur ajoutée

L’inspiration est fondée sur un imaginaire qui vient à nous mais qui repose la plupart du temps sur des éléments existants restés en notre mémoire. Nous sommes tous pétris de multiples influences. La qualité d’un travail photographique est donc soulignée par les références sur lesquelles s’appuient la création, majorée d’un élément qui va apporter une nouvelle dimension à l’œuvre que je nommerai valeur ajoutée.

Le photographe propose sa vision, sa propre lecture qui va bien plus loin que celle dont il s’est inspirée. L’emprunt a servi de tremplin pour mieux rebondir et présenter une autre pensée,

une toute autre proposition artistique. Photographe, peintre, sculpteur, danseur, auteur, tous empruntent pour sublimer leur propre langage artistique.

Le peintre Djamel Tatah, par exemple, s’inspire parfois d’une photographie, d’un mouvement, d’un regard, pour venir l’intégrer dans son univers figuratif. Au regard de la création de Tatah, la référence, tout en étant clairement explicite, est appréciée comme un clin d’œil mais ne remet pas en doute la création contemporaine considérée comme une valeur artistique distincte de l’œuvre originale.

La posture de l’homme allongé dans l’œuvre de Djamel Tatah est la réplique de celle peinte par Edouard Manet et c’est parfaitement intentionnel. La ressemblance est tellement troublante que l’on saisit tout de suite la référence qu’il nous propose mais son interprétation est si puissante que c’est son univers, son empreinte artistique, celle de Djamel Tatah, qui jaillit de la toile et non son emprunt.

Deuxième exemple où l’emprunt est fait, cette fois-ci, à un photographe. Les suites de mouvements du photographe Muybridge mises en valeur par Djamel Tatah à travers une série picturale, succession longiligne d’une même tête. Là encore, le sujet importé dans l’univers contemporain du peintre est perçu comme un rappel à ce travail de décomposition, assorti d’une vision très particulière de l’artiste plasticien et qui, au final, présente une œuvre très différente de celle dont il s’est inspirée.

Une œuvre dérivée d’une œuvre préexistante

Parfois l’emprunt à l’œuvre préexistante est volontairement affiché et avoué. Il constitue même le point départ du processus créatif, comme une sorte de référence permanente à l’auteur de l’original, voire même un hommage à celui-ci.

Le travail de Richard Tuschman en est un bel exemple. Il réalise en photographie, la copie parfaite des tableaux d’Edward Hooper. Tuschman n’apporte en réalité qu’une technique mais en aucun cas l’inspiration de la scène ou du modèle. Il s’agit là d’une transposition photographique de plusieurs peintures, étudiées dans ses moindres détails et qu’il a intitulé « Hooper Méditations ». L’hommage est, là, tout à fait avéré.

Copie exacte : une reproduction

Le manque d’inspiration suscite le plagiat du travail des autres. Il s’avère que ce sont souvent des agences travaillant pour des célèbres marques qui se réapproprient la création d’un artiste et qu’elles le font sans mentionner l’auteur. Quand le plagiat est révélé, la plainte en justice est une suite logique, notamment en France, où les droits d’auteurs sont particulièrement bien défendus.

Ce fut le cas pour le procès intenté par les héritiers de Jeanloup Sieff contre la société Dolce & Gabbana ayant utilisé une photographie réalisée pour une campagne d’Yves Saint Laurent.

La ressemblance existante entre les deux photos concernait notamment plusieurs aspects.

La nudité d’un homme beau et jeune, le port d’une paire de lunettes, la pose assise, l’éclairage et l’expression du modèle, ont été considérés comme un plagiat.

En 2007, le photographe William Klein accuse également le styliste John Galliano de l’avoir plagié pour une campagne publicitaire, en utilisant la technique des planches contacts annotées et agrandies. La cour a considéré que ce qui définissent l’originalité de l’œuvre, en l’espèce ces planches contacts peintes, ne peuvent être empruntés à l’artiste sous peine de contrefaçon.

Même cas pour le photographe Marc Lamey pour son portrait de femme plagié par un autre photographe qui s’est approprié l’idée de sa composition sans mentionner sa source d’inspiration. Un cas français bien connu présenté par l’avocate qui a défendu l’affaire, Joëlle Verbrugge, dans un article en ligne.

Signature photographique : la bonne pratique

Le problème est résolu lorsque le travail photographique d’un auteur est remarquable au sens propre du terme. Il est reconnaissable. Un type de lumières, une récurrence de certains sujets, une technique de développement particulière, une texture photographique, tous ces éléments caractéristiques lorsqu’ils deviennent répétitifs, seuls ou assemblés, constituent véritablement la signature photographique d’un auteur.

Il arrive que de grands photographes ont une inspiration teintée par une référence, comme les peintres ou les sculpteurs aiment à travailler un même sujet mais l’œuvre, au final, se révèle si éloignée et l’interprétation si personnelle qu’elle ne peut être considérée comme un plagiat.

Chaque artiste possède sa signature artistique : texture et couleurs pour les silhouettes féminines de Sarah Moon, extrême densité des noir et blanc avec une optique grand angle pour Jeanloup Sieff, poésie épurée d’un verre posé sur un table par Josef Sudek avec cette empreinte sfumato. Tous sont aisément reconnaissables et ce, quel que soit le sujet abordé par ces artistes. Chacun a élaboré un monde pictural très personnel, une empreinte parfaitement identifiable.

A la manière de Magritte, Jérôme Bosch ou Dali ? Vive l’IA !

Aujourd’hui les applications dédiées à l’univers de la photographie sont étonnantes et incroyablement diversifiées. Photoleap ou Aiby-IA art &Photo avatar, par exemple, tirent votre portrait à la manière des grands artistes célèbres, peintres, acteurs de street art ou dessinateurs de mangas… Leurs signatures graphiques sont copiées très fidèlement, de quoi brouiller les cartes et s’emmêler les pinceaux au niveau juridique ! L’intervention de l’intelligence artificielle dans le monde de la photographie va rebattre les cartes et bousculer considérablement la perception que nous avons de la photographie notamment en termes de véracité ou de validité mais cela est une autre histoire qui mérite à elle seule plusieurs articles.

Comment se prémunir de la contrefaçon ?

Il existe une veille sur les réseaux sociaux plutôt performante qui traque la moindre illustration dupliquée. Des alliés précieux pour les photographes qui exposent régulièrement leurs photos sur Facebook, Instagram, et autres applications, citons notamment Tineye.com qui fait le job.

Et vous qu’en pensez-vous ?

Trouvez-vous parfois les photographes trop arc-boutés sur leur territoire, trop procéduriers ?

Face à eux, certains pourraient mentionner leur source d’information, voire même s’excuser de l’emprunt s’il est patent. Une seule règle doit dominer ce questionnement : c’est la part de notre imaginaire, sa conjugaison qui ne cesse de s’enrichir au fur et à mesure de la réflexion, de notre réflexion et qui doit primer en tout point. Il ne s’agit pas de copier mais de raconter, traduire, exposer un sentiment ou une émotion qui nous anime, être interpellé par un sujet qui, même s’il a déjà été évoqué mille et une fois, se révèlera par notre regard tout autre.

Crédit Photos: Lucas Hoang, Kritopher Roller, Djamel Tatah, Muybridge, Richard Tuschman, Jeanloup Sieff, William Klein, Marc Lamey, Arslan, Sarah Moon, Josef Sudek.

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Pourquoi la retouche photo est le Graal des photographes

The ShotVoice Team — Wed, 14 Jul 2021 05:40:00 +0000

Recadrer, coloriser, surexposer, rendre nette ou rendre flou, modifier l’ambiance d’un détail ou d’un ciel, convertir en noir & blanc, filtrer, densifier, supprimer ou ajouter, les applications destinées à la retouche photos ont elles décidé de nous transformer en de véritables démiurges ?

Les apps stars, de véritables baguettes magiques

Qu’elles soient pour Android ou Apple, gratuites ou payantes, les applications dédiées à la retouche se sont démultipliées. Idéales pour booster notre communication, voire notre bobine, rapides comme l’éclair une fois que l’on sait bien les manier, elles ont de sacrés atouts et nous laissent même envisager que nous sommes devenus d’excellents photographes.Elles sont là pour optimiser nos photos, pro ou familiale, et que l’on soit bardé de boîtiers numériques ou simples possesseurs de téléphone mobile, on a tous accès à ces logiciels faiseurs de miracles.

Facetune, Visage Lab pour les selfies, Snapseed, Lightroom, Photofox, iPiccy, Pixelmator Pro, Capture One pour les professionnels, PickMonkey, ON1, Mextures pour les plus pressés, Photoshop Express, PhotoFiltre, Darktable, Sumopaint, Pixlr, Photos pos pro pour ceux qui misent d’abord sur la gratuité, TouchRetouch, Airbrush pour gommer, supprimer, … Voilà pour les top du top!

On le voit la palette d’applications destinées aux corrections en tout genre ne cesse de se déployer. L’intelligence artificielle s’est même invitée à la table pour offrir une valeur ajoutée de folie comme chez Skylum, DxO ou Avalanche, des outils exclusifs aux possibilités illimités qui facilitent notamment le débruitage des images, leurs conversions ou leurs transferts.

De l’exigence de l’argentique à la débauche du numérique ?

Il est bien loin le temps de la planche contact, où l’on se lamentait pour une surexposition ou une sous-exposition, celui du compte-fil dont le verdict était sans appel pour le manque de netteté ou la faiblesse d’un cadrage. Il fallait faire avec, et ce n’était que le nombre d’années de pratique qui offrait une certaine régularité technique. La retouche existait mais elle était faite main et facturée à l’heure, une solution hors de portée pour les amateurs…

On peut considérer que l’agrandisseur avec ses différents objectifs, filtres, calques et margeurs était l’ancêtre de ses applications qui éclaircissent, densifient, modifient, l’ambiance et la texture de l’image elle-même. Chacun avait sa manière bien à lui de développer une image. L’exercice de caches par le jeu de mains, en lien avec le temps de pose, relevait parfois du travail d’artiste. Exercice, avouons-le tout de même très limité.

Aujourd’hui, un abonnement et une exportation de fichier vous permet un travail de retouches spectaculaire avec un retour à l’original à tout instant. Gain de temps, d’argent et de papiers photos sans parler de la fin de l’utilisation de produits nocifs.

L’arrivée de ces outils numériques fait-elle pour autant oublier la dimension artisanale du travail sur l’image ?

Trop de retouches tueraient-elles l’authenticité de la photographie ?

Rectifier l’iris rougeoyant, affiner les contours de son visage, accentuer la lumière orageuse d’un ciel, corriger les contrastes, harmoniser les couleurs, créer de la profondeur de champ, … l’accumulation du nombre de retouches pour tendre vers la perfection offre-t-elle un véritable bénéfice à la photographie ? En abusant de la retouche ne nous rapproche-t-on pas plutôt de la fake picture ? En voulant magnifier une réalité on retire peut-être son pouvoir de générer de l’émotion et à moins de la prendre comme un véritable parti-pris, la retouche à outrance peut aussi friser le mauvais goût.

Il existe des domaines où les applications photo pour la retouche sont indispensables. Prenons l’exemple de la photographie d’architecture où il est impératif de rectifier la perspective afin de rendre au bâtiment ses véritables proportions, tout comme retravailler le jeu de la lumière sur les façades, en intervenant notamment sur les sur-expositions ou les sous-expositions.

Dans cette transformation à paliers successifs, on remarque que l’authenticité peut tout de même être assez chahutée, le propos déformé et la sincérité de l’originale envolée pour de bon. La photographie ultra « botoxée » s’enlaidit, perd son âme et sa raison d’être, elle devient sans saveur, sans message à transmettre. Attention donc aux abus. Ne jamais oublier que l’essentiel réside dans le fait de ne jamais changer la nature profonde de l’image.

« Suivre sa voie et ses aspirations est important, surtout lorsqu’il s’agit de métiers passionnés comme la photographie. »

Aujourd’hui n’importe qui devient photographe?

Sans la photographie, les réseaux sociaux n’auraient pas la popularité qu’ils bénéficient. Certains même ne sont que des plateformes dédiées à la photographie comme Instagram, Pinterest, Flickr… parfaites pour se constituer une communauté en ligne et partager à toute heure une image. Aujourd’hui on s’exprime par et pour l’image.

Une nouvelle génération de photographes est née avec l’apparition des réseaux sociaux et smartphones et s’est véritablement prise au jeu de la réalisation d’images. Que ce soit des photos de vacances, des paysages, des repros d’œuvres exposées dans un musée, des portraits, des lieux plutôt surprenants, la photographie exprime bien plus qu’un texte pour évoquer notre activité du moment ou nos rencontres. Et lorsque la retouche photographique digitale est arrivée, amateurs éclairés, professionnels et débutants ont plongé dans l’univers de la retouche.

On stylise l’image, on lui offre une tonalité plus vibrante, on la « texturise » pour la révéler au mieux sur nos réseaux. Tout comme la musique a vu l’apparition de jeunes artistes consacrés par le public grâce à leur publication en ligne, le travail artistique de certains photographes s’est vu célébré grâce à leur portfolio on line.

Facebook, Twitter, participent à la belle aventure de la reconnaissance. Comment ne pas évoquer les images de Charlotte Abramov qui a réalisé un travail poético-photographique sur la maladie de son père. Elle postait régulièrement ces images toujours mises en scène par ses soins avec un but : accompagner dans la maladie le cheminement d’un être cher avec une tendresse infinie. Succès total et inattendu ponctué par l’édition d’un ouvrage : « Maurice, Tristesse et rigolade ».

Un outil de la démesure ou pour le sur-mesure?

Le logiciel de retouche doit être au service de l’œil et non l’inverse. Ne pas se laisser embarquer par la sollicitation numérique. Distinguez les simples « améliorations » que vous souhaitez envisager sur votre travail photographique sans verser dans la mise en scène pure et simple comme le souligne André Gunthert (historien de la photographie).

Règles majeures : utiliser à bon escient ces logiciels, et surtout ceux qui vous correspondent. Un travail de sélection s’impose devant la multitude. Lorsque vous découvrez une application, allez regarder tout d’abord les tutos pour étudier ses atouts et ses défauts. Au besoin télécharger-la quelques jours pour la tester (beaucoup proposent un essai sur quelques jours avant de passer à l’acte d’achat). Prenez votre temps et regardez si elle ne fait pas doublon avec celles que vous possédez déjà dans votre catalogue personnel, la frugalité fait partie de la panoplie d’un photographe éco-responsable.

Votre sélection doit être toujours au service de votre univers photographique. Ces aides numériques ne doivent être là que pour accompagner votre vision ou votre création, en aucun cas la dénaturer.

Au service d’une signature ?

Entretien avec Michel Redon, directeur artistique de formation, qui pratique une photographie plasticienne réalisée exclusivement sur iPhone ou iPad. Il possède un portefeuille de plus d’une trentaine applications comme Snapseed, Focos, Light Express, Photoshop, Shift, Union-Combine, Fragment-Prismatic, Photoleap, Pixlr, Apollo, Gemini, Photoroom Studio, Photoshop fix, On1, Photo, Waterlogue, Camera Plus, Tintype… des applications photo top niveau.

En moyenne, combien d’applications utilisez-vous par photo?

« Je peux utiliser jusqu’à 4 applications par photo. Je vais rechercher un outil spécifique dans une première application puis exporter ma photo et exploiter un autre dispositif existant dans une seconde app et ainsi de suite. Ce travail de post-production nécessite de connaître sur le bout des doigts chaque logiciel et les possibilités qu’il offre. Sans cette compréhension aiguisée, vous perdez le fil de votre travail. »

Comment choisissez-vous vos applications photo?

« Il est impératif de passer de nombreuses heures, à tester, comprendre, utiliser tout le potentiel que propose chaque application pour se constituer au final sa propre palette d’applications photo qui viendra servir un propos visuel. En moyenne, je passe près d’une heure par jour pour me familiariser avec toutes les possibilités présentées. Certaines d’entre elles disposent souvent des mêmes fonctionnalités mais il m’arrive d’investir dans une autre, tout à fait similaire, car l’accès à l’outil spécifique qui m’intéresse sera plus performant pour mon travail. »

Quelles sont vos applications favorites?

« J’utilise très régulièrement Snapseed, Photoshop, Carbon, Filmo ou On1, ce sont pour moi les meilleurs logiciels de photos, c’est ma base de travail. Elles me permettent de mettre en valeur mes photos et vont dans le sens du propos que je mets en image. Il faut aussi distinguer les logiciels dédiés à la prise de vues et ceux utilisés en post-prod. Si je souhaite faire un cliché en N et B vintage, j’utilise Tintype ou si je veux travailler ma profondeur de champ, je me sers de Focos. »

Un budget ?

« De manière générale, les applications performantes qui apportent une véritable valeur ajoutée sont payantes. Les abonnements annuels varient généralement entre 20 et plus de 100 €. Mon budget personnel dédié à la photo s’élève à plus de 300 € par an.»

Peut-on parler de signature photographique ?

« Certains photographes ont véritablement un style très identifié. Pour ma part il m’est difficile de répondre à cette question, ce serait même prétentieux mais il est vrai qu’au fil du temps un esprit, un choix de sujets, de texture et d’harmonie de couleurs finissent par constituer votre identité graphique et visuelle. »

« On ne prend pas une photographie, on la fait » soulignait Ansel Adams. Aujourd’hui il semble que manipuler la substance d’une photo fait partie des usages. Qui ne pose pas un filtre ou ne recadre pas sa photo avant de la poster sur un réseau social?

Ces nouveaux outils à portée de main font partie intégrante de l’ADN de la photo numérique. Il est vrai que l’on s’éloigne de ce qu’André Rouillé (historien de la photographie ) appelle le « régime de vérité de l’argentique ». Nous l’avons vu,
tout doit être question de dosage, d’éthique personnelle et de propos.

Votre point de vue sur la retouche photo

Et vous? Que vous inspire cette réflexion?

La retouche peut-elle nous embarquer vers un ailleurs que ne nous ressemble pas ? Ou tout au contraire peut-elle être un formidable outil sur-mesure au service de la création?

Dans l’année passée, vous est-il encore arrivé de publier des photos sans les retoucher?

Crédit Photos: Charlotte Abramow, Michel Redon, Dan-Cristian Paduret.

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Le post-traitement en photographie : un débat sans fin

The ShotVoice Team — Thu, 22 Apr 2021 14:39:52 +0000

La retouche photo a toujours été et est encore perçue comme une modification de la réalité : La propagande soviétique des années 1940 mentait sur les personnes présentes sur la photo, la peau retouchée des mannequins de magazines donne l’illusion de la perfection et les paysages somptueux des comptes Instagram semblent tout droit venus d’une autre planète.

Mais ces exemples flagrants font oublier le quotidien des photographes professionnels et la nécessité de la retouche : ajuster la luminosité et le contraste d’une photo, appliquer sa signature, gérer les couleurs.

Petit tour d’horizon de la retouche photo et des parties impliquées dans le débat.

Le sujet épineux de la retouche photo

On a souvent tendance à associer le post-traitement à la révolution de la photographie numérique.

Et pourtant, loin des Photoshop et autres Lightroom, la retouche photo a une histoire aussi longue que la photographie elle-même.

Le débat est à brûle-pourpoint depuis désormais plus d’un siècle, et les camps en présence sont bien délimités : d’un côté, les pragmatiques considèrent qu’une photographie est avant tout une image de la réalité et qu’en tant qu’image, elle mérite d’être bonifiée ; de l’autre, les « puristes » de la photo défendent la ligne dure de l’arrêt sur image de la réalité, son effet « authentique », et décrédibilisent la retouche, perçue comme une injustifiable altération.

En 1872 déjà, Henry Hunt Snelling assénait dans The Philadelphia Reporter : « Qui ne peut pas produire un négatif aussi qualitatif qu’une photo retouchée ne mérite pas d’être appelé un photographe ».

Le développement du négatif : une affaire subjective ?

L’un des rares sujets sur lequel tout le monde s’accorde cependant, c’est que le développement de négatifs est toujours l’affaire de choix dans les contrastes et la luminosité, ou dans la sélection d’un papier spécifique.

Ansel Adams ne disait-il pas du négatif qu’il est « comme une partition musicale : on peut jouer les mêmes notes de manières complètement différentes » ?

Mais au-delà de la nécessaire manipulation du négatif, on a toujours retrouvé de véritables modifications, et ce dès la création de la photo argentique : armé de crayons, pointes, lames, papiers et d’une bonne lentille, on peut faire apparaître ou disparaître des personnages entiers ou leurs caractéristiques physiques, mettre en évidence une portion précise d’une photo ou encore modifier l’angle d’une prise de vue.

La posture du photographe : une question de style

On pourrait se poser la question des fins qui poussent à la retouche : essaye-t-on de vendre un produit (dans un sens mercantile ou philosophique), auquel cas le spectateur se sentirait floué par un procédé visant à baisser sa garde ; ou cherche-t-on à être plus fidèle, à transmettre d’une manière plus exacte une vision, des sensations ?

La plupart des photographes ne cherchent-ils pas tout simplement à améliorer le rendu de leur photo, en en ôtant les poussières et en corrigeant la luminosité ? Quand on leur demande leur avis, ils souhaitent avant tout faire passer un message.

Une vision artistique du monde qui, pour retranscrire précisément ses émotions, passe par la photographie et ce qui l’accompagne indubitablement : la retouche photo.

Julien Hugo, photographe professionnel spécialisé dans l’accompagnement de mariages, définit ainsi le post-traitement sur son blog : le moyen d’apposer sa patte, de façonner un style propre qui souligne son savoir-faire et sa personnalité en tant que photographe professionnel. En somme : la retouche lui permet de définir son image de marque.

De l’éthique de la retouche

Mais pour le spectateur, c’est une autre paire de manches. Si la nécessité de lifter certaines photos pour recentrer l’œil sur le sujet principal est comprise, certains y voient un débat idéologique, et idolâtrent les professionnels se montrant réticents à la retouche, chez qui ils retrouvent un refus de l’uniformisation et de la facilité — une petite pensée pour Peter Lindbergh ou encore Jade Beall. Que voit le spectateur lorsqu’il regarde une photographie, s’il sait au fond de lui que l’« image originelle » a pu être tout autre ? Reformulons la question : qu’est-ce qui fait qu’une photographie (et donc le photographe qui est derrière) est exceptionnelle, si elle a été modifiée pendant des heures sur un ordinateur dernier cri ? À l’arrière-plan de ces questionnements, on distingue l’essence même de la philosophie de la photographie : qu’est-ce qu’une photo, qu’est-ce qu’une bonne photo, qu’est-ce qu’un bon photographe ?

Finalement, qu’apporte la photo ?

Une posture objective, sans affect, dirait que l’image est par définition une distorsion de la réalité : elle est l’expression d’une personne qui, à travers un geste par essence artistique, souhaite figer un instant T à l’aide d’un médium (que celui-ci soit argentique ou numérique).

Si alors on considère que le développement de cette photo (ou sa projection sur un écran) fait partie intégrante de cette action, alors il n’y a plus de débat : l’image peut refléter la réalité mais elle ne peut pas devenir la réalité.

La réalité est donc captée, figée puis retouchée et post-développée. Et la retouche photo trouve naturellement sa place au sein de l’activité du photographe, que celui-ci soit amateur ou bien professionnel.

De la retouche à la création : la naissance d’une discipline nouvelle

Au-delà des retouches « nécessaires » (modification des couleurs, des tons, recadrage, etc.), comment considérer le post-développement lorsqu’une photo (ou plusieurs assemblées) sert de matière première pour la création d’une œuvre supérieure, où l’esthétisme prend le pas sur le réel ?

La naissance d’arts graphiques nouveaux — concomitante au développement de logiciels toujours plus compétents — semble avoir repoussé les frontières de la photographie.

Mais, au contraire, ne s’agit-il pas là de l’occasion d’en fixer précisément les limites, au jour où les photos ne sont plus que prétextes à des modifications illimitées ? S’agit-il encore vraiment de photographies ? Sur quels critères les distinguer ? Taux de dénaturation, aspect irréel, expression fantasmée ?

Un nouveau débat qui pourrait voir beaucoup de spectateurs se rallier aux réticents à la retouche… mais qui ne saurait oublier de laisser la place aux rêveurs et aux poètes.

Crédit photos: Chris Lawton, Brigitta Schneiter, Laura Vinck, Dereck Thomson, Nirav Photography et Michel Redon.

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