Société | ShotVoice

L’instant photographique unique dans la photographie moderne

The ShotVoice Team — Thu, 20 Aug 2026 13:32:38 +0000

Au contraire de la photographie posée qui nécessite du temps ou une mise en scène préalable, la photographie qui capte l’instant « à la volée » est un processus qui s’exprime toujours dans l’immédiateté. C’est celle qui saisit une situation en un fragment de temps, une vérité de l’apparition. Et son caractère unique et authentique lui sera toujours intrinsèquement lié malgré le fait qu’elle puisse être ultérieurement retouchée, recadrée à travers le jeu des applications présentes dans l’édition digitale d’aujourd’hui.

« Prendre sur le vif »

Voilà également un terme qui exprime le mieux la capture de ce temps singulier.

Saisir ce qui ne se reproduira plus, sorte de témoignage « hors temps », empreinte furtive, « l’instant décisif » de Cartier Bresson. Le plus important, c’est de véritablement « harponner » cet instant et pour l’amateur, peu importe la qualité photographique : netteté, cadrage, exposition ou qualité du point de fuite, seule la capture d’un élément clef compte et devient l’affirmation éclatante d’un point de vue, le sien.

Une photo = un point de vue ?

L’appréciation du caractère unique et original de la photographie est renforcée par le fait qu’elle provient d’un regard, celui d’une seule personne. Une transposition intime d’un portrait, d’un paysage ou d’une scène, à l’image des étudiants des beaux-arts aux chevalets alignés qui esquissent leur propre approche d’un même modèle. En fin de séance de pose : autant de dessins différents que de regards distincts. L’idée d’une photo originelle et non réplicable fait donc son chemin.

L’intention forcément personnelle d’une prise de vue ?

Si les photographes professionnels ont des impératifs précis et considèrent l’appareil photo comme un outil de travail, on peut se poser la question pour les amateurs. Qu’est-ce qui motive la capture d’images, de charrier avec soi un matériel parfois très lourd pour photographier au final un goûter d’enfants, l’ascension d’un sommet entre potes ou notre conjoint attablé dans une maison de thé à l’autre bout du monde ?

Que racontent ces clichés de nous-même ?

Garry Winogrand (1928-1984), photographe expérimental, évoquait non sans humour son propre regard en disant : « c’est ce à quoi ressemble le monde une fois photographié ».

N’avons-nous pas nous aussi une volonté de « figer », de s’inscrire à tout prix dans la société dans laquelle nous œuvrons et de l’afficher afin de prouver aux autres que l’on participe pleinement au processus ?

Nos photos deviennent tout à coup des témoignages irréfutables et deviendront même des jalons qui vont permettre de relater et transmettre notre propre histoire personnelle.

La photographie : une dimension émotionnelle de notre vie?

Remarquons que les photos prises dans les sphères amicale et familiale sont très souvent le gage de moments joyeux, de retrouvailles ou d’exploits. L’image nous offre une véritable relecture de notre vie passée et présente, de nos instants marquants. Elle teinte forcément notre vision et nos souvenirs eux-mêmes. Véritable objet transitionnel, l’image permet aussi de renouer aussitôt avec l’émotion, alors imprégnée dans l’instant photographié. Vecteur de sentiments, la photographie porte dans son ADN, ces ingrédients invisibles à l’œil nu.

La photographie, véritable fil d’Ariane

C’est la somme de toutes cette multitude de « points de vue » qui vont, au final, relater, tracer, construire la trame de notre vie. Celle que l’on évoque, celle que l’on transmet. Ces images vont constituer le fil entre les générations, entre les ascendants et les descendants. Qu’elles soient jetées en vrac dans une boite à chaussure, soigneusement étiquetées dans des albums ou stockées sur nos disques durs, la photographie tient une place formidable et même essentielle dans chaque famille pour la compréhension d’une époque et des destins croisés.

Déclinaisons satellites

L’image matérialise le bonheur et provoque le partage. Les outils de l’édition photographique aujourd’hui permettent à la photo un voyage à la fois dans le temps et dans la qualité : avec la possibilité de « rafraîchir » la photo originelle, de la recoloriser, la recadrer, lui offrir une plus grande netteté grâce aux logiciels dédiés.

Ce moment de grâce saisi au vol à l’origine, cette « matrice » photographique unique peut se décliner à l’envie et selon les rêveries de chacun. Et même si l’image est triturée, modifiée dans son format, exporter dans un autre fichier ou compresser, elle sera toujours issue de cet unique « coup d’œil immanent et transperçant » qu’évoque Cartier Bresson, la « source » en quelque sorte de toutes ces déclinaisons, à laquelle il sera toujours possible de revenir à tout moment.

Symbolique de l’instant

La photographie possède ce pouvoir étonnant de figer une fraction de seconde pour l’éternité. Ce que l’œil ne pourrait apercevoir, la photographie nous donne à le voir. Introspection très intime d’une scène. Hors temps qui permet parfois un décryptage passionnant de ce qui est invisible à l’œil nu. Un mystère qui n’offre pas toujours de résolution, comme le regard d’Antonin Artaud insondable, intense et qui nous interroge encore aujourd’hui. L’image peut éclairer ou nous renvoyer dans une réflexion.

« A mon avis, vous ne pouvez pas dire que vous avez vu quelque chose à fond si vous n’avez pas pris une photographie »

Émile Zola

La photo du «j’y étais»

On ne fait bien les choses que par soi-même, on ne voit bien les choses que quand

on les photographie soi-même. Contrairement aux reproductions proposées dans le commerce, ma photographie possède exactement le cadrage souhaité et entend souligner comme je l’entends un moment clef de ma vie. Il semble donc que renoncer à l’achat d’une carte postale dans un lieu touristique et opter pour sa propre interprétation, même imparfaite, a toujours plus de valeur à nos yeux car elle témoigne de notre présence.

On pourrait évoquer là une stratégie de l’ajustement de soi au monde et non l’inverse : photographier la Tour de Pise avec sa compagne en premier plan, faire un selfie familial au pied des pyramides égyptiennes rend plus « humain », moins « extérieur » et plus accessible ces monuments d’exception connus du monde entier. Ils sont présents dans la photographie mais pas de manière majeure. A travers notre regard, ces lieux mythiques s’invitent dans notre vie et non l’inverse.

La photo numérique, révélateur instantané de notre mémoire

Les outils que proposent la photographie numérique aujourd’hui viennent servir notre réflexion. Le stockage exceptionnel des photos dans un iPhone, une tablette ou un ordinateur permet en quelques clics de remonter le temps. Jour, mois, année, tout se déroule sous nos yeux et ravive à notre mémoire des détails oubliés. Cette remontée temporelle à portée de main est tout simplement vertigineuse car cette supra mémoire digitale vient compléter, rectifier et raviver la nôtre de manière infaillible. Les instants photographiques au fil de notre vie sont à l’image des petits cailloux blancs déposés sur le chemin. Ils constituent notre banque de donnée virtuelle de notre vie.

Crédit Photos: Loli Galina, Joris Delacour, Laura Ockel, Cartier Bresson.

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IA et photographie : le médium risque-t-il de disparaître ?

The ShotVoice Team — Mon, 17 Aug 2026 13:17:36 +0000

Selon la définition classique, l’intelligence artificielle, connue sous le sigle IA, est un processus d’imitation de l’intelligence humaine qui repose sur la création et l’application d’algorithmes exécutés dans un environnement informatique dynamique. Son objectif est de permettre aux ordinateurs de penser et d’agir comme des êtres humains.

Sa source ? Les milliers, millions, milliards d’informations partagées et disponibles sur Internet. Textes en prose, argot, alexandrins, dialectes, analyses, audits, images de paysages, portraits, natures mortes, illustrations réalisées au pinceau, à la craie, à la bombe de peinture… un inventaire XXL à la Prévert, collecté et mis à disposition en un simple clic. Ce déluge numérique étanche notre soif, facilite nos recherches les plus pointues, se substitue à nous, mais est-il réellement une version améliorée de nous-mêmes ?

Midjourney, DALL·E, ChatGPT

L’arrivée des générateurs d’images bouleverse également les codes de la photographie traditionnelle. La nuance est d’ailleurs essentielle : on parle ici d’« image » plutôt que de « photographie », une distinction qui est loin d’être anodine.

Parmi les stars de ces assistants virtuels figure Midjourney, lancé en juillet 2022, qui, pour 10 dollars par mois, génère des illustrations à partir de simples requêtes textuelles. Sa dernière version a notamment attiré l’attention avec la publication d’une image du pape vêtu d’une immaculée doudoune blanche. Le compte Instagram d’un certain Jos Avery, qui partageait de magnifiques portraits mélancoliques en noir et blanc, était lui aussi alimenté par Midjourney.

Vient ensuite DALL·E, puis DALL·E 2 et DALL·E 3, chaque version devenant toujours plus sophistiquée et plus précise dans sa capacité à répondre à des demandes nuancées. ChatGPT, dans sa version 4, peut également créer des images à volonté. Ces logiciels d’analyse et de génération d’images font écho à notre imagination de manière si spectaculaire que certaines créations composées par IA ont même remporté de prestigieux prix de photographie.

Un prix qui suscite le malaise… ou pas

L’image qui a remporté le prix de la catégorie « Creative » décerné par la World Photography Organisation lors des Sony World Photography Awards a en réalité été entièrement créée par une IA, à partir des instructions précises du photographe Boris Eldagsen.

Seule ombre au tableau : cette image n’a jamais été capturée par un appareil photographique. Il s’agit donc d’une pure fiction, composée à partir d’un assemblage de visages puisés dans une immense base de données mondiale, correspondant à l’époque demandée et éclairés dans le style des photographies en noir et blanc des années 1940.

L’artiste a volontairement présenté cette création afin de mieux dénoncer le fait que l’IA n’est pas de l’art, et encore moins de la photographie. « Ces images ont été imaginées, explique-t-il, à partir du langage, puis retravaillées entre 20 et 40 fois à l’aide de générateurs d’images alimentés par l’IA. J’ai participé à ce concours avec cette fausse image pour voir si les compétitions étaient prêtes à accueillir des œuvres assistées par l’IA. Elles ne le sont pas », poursuit-il.

Boris Eldagsen a bien entendu refusé le prix. Son intention était de provoquer une réflexion nécessaire autour de la photographie car, selon lui, cette création ne constitue en rien une œuvre d’art, ne correspond pas davantage à sa propre conception de l’art, et encore moins à celle de la photographie. Le débat était pourtant passionnant et porteur d’enjeux importants, mais les organisateurs l’ont évacué en choisissant le déni. L’image a tout simplement été retirée de la cérémonie.

Autre exemple : le concours organisé par Digidirect, une importante enseigne australienne spécialisée dans la photographie. La photographie gagnante a été annoncée sur leur compte Instagram.

Derrière le pseudonyme Jane Eykes se cache en réalité une entreprise spécialisée dans l’intelligence artificielle basée à Sydney : Absolutely Ai. Le nom de la photographe est un clin d’œil à un artiste du XVe siècle, auteur du tableau le plus volé de l’histoire ! L’entreprise a elle-même révélé la supercherie mais, contrairement au cas précédent, Digidirect a maintenu et validé son choix.

Les auteurs de l’imposture expliquent :
« Nous avons fait cela pour montrer que nous sommes à un tournant dans l’évolution des technologies d’intelligence artificielle, ce qui soulève la question suivante : une image générée par IA peut-elle non seulement passer inaperçue, mais aussi être récompensée ? Notre image n’a jamais existé. Ni cette plage en particulier, ni cette portion d’océan. Elle est simplement constituée d’une infinité de pixels, issus d’une infinité de photographies publiées en ligne au fil des années par toutes sortes de personnes. »

Un postulat : la réalité n’a plus sa place en photographie

Même si nous avons le sentiment qu’il n’y a plus de retour en arrière possible, que le génie est définitivement sorti de sa bouteille et que cela nous effraie encore un peu, tout cela n’est en réalité que la suite logique de tous les petits ajustements apportés au réel que nous avons toujours pratiqués en chambre noire. D’abord en utilisant des masques lors du développement de nos photographies argentiques, puis, plus tard, en ayant recours à toutes les applications dédiées à l’image qui ont envahi le marché de la photographie numérique.

Photoshop, Lightroom, Luminar Neo, Topaz Labs et bien d’autres ont pris le relais dans l’univers numérique, nous offrant une qualité inégalée et une rapidité d’exécution impressionnante. Soyons honnêtes : nous étions déjà des apprentis sorciers bien avant l’arrivée de l’intelligence artificielle !

La photographie comme représentation de la réalité ou du monde ? L’image de presse n’est déjà plus une preuve en soi, et avec l’IA, nous sommes passés à l’étape supérieure. Cette remise en question est brutalement balayée par les usages.

Qui sera touché en première ligne ? Certainement une partie des professionnels de la photographie : reporters de guerre, documentaristes, témoins de l’Histoire qui observent le monde pour nous informer. Il faudra aiguiser notre regard pour repérer les falsifications, car l’IA continue de s’enrichir et de se rapprocher toujours davantage de la réalité. Et même lorsque la supercherie sera dévoilée, les deepfakes auront malheureusement déjà fait le tour du monde.

L’IA peut aussi se tromper dans son interprétation. Récemment, lorsqu’on lui a demandé de rechercher des photos d’écoles situées dans les banlieues et dans les villes françaises, le résultat s’est révélé désastreux. En se basant sur le nombre important d’images prises récemment dans les banlieues, notamment lors des émeutes de mai 2023, l’IA fournit ainsi une représentation faussée de la réalité. Quant à la seconde requête, force est de constater que les écoles urbaines proposées ressemblent davantage à un décor tout droit sorti de l’univers de Mary Poppins qu’à nos véritables établissements scolaires.

Cette vague appelée Intelligence Artificielle — que certains seraient tentés de qualifier de malveillante — entraîne bel et bien un changement radical.

Fur Affinity, une communauté contestataire, tente de remonter le courant, à la manière des saumons remontant une rivière. Pourtant, il semble plus constructif d’émettre des mises en garde et d’établir des règles éthiques que de lutter frontalement contre cette avancée révolutionnaire et inévitable, désormais à la portée de tous.

La photographie créative : grande gagnante de cette révolution ?

La créativité repose toujours sur ce qui nous nourrit. La lecture, l’apprentissage, les expositions artistiques — et pas seulement photographiques —, les voyages, les concerts ou la musique que nous écoutons au quotidien, les échanges, la philosophie, les expériences… Picasso, Soulages, Uccello, Margaret Cameron, Giacometti, Léonard de Vinci, Bach ou Mozart ont eux aussi été influencés par les œuvres de leur époque, et continuent à nourrir notre imaginaire de la même manière.

L’inspiration créative s’est donc toujours construite à partir de celle des autres. Que fait l’IA aujourd’hui ? Chaque image conçue par une intelligence artificielle s’appuie sur des millions, voire des milliards d’éléments « empruntés » à autant de créateurs pour produire quelque chose de nouveau, souvent spectaculaire.

La « post-photographie »

Ce terme, forgé par le photographe et blogueur américain Andy Adams (FlakPhoto Digest), désigne des pratiques artistiques qui remettent en question la définition traditionnelle de la photographie en la combinant avec d’autres médiums.

Aujourd’hui, c’est en effet le regard créatif, accompagné de nouvelles techniques, qui fait la différence. Les artistes utilisent et mélangent différents procédés, parmi lesquels la photographie, qui n’est donc plus l’unique instrument de création. Elle devient un outil, au même titre qu’une toile pour peindre ou que des notes pour composer de la musique. Associée à d’autres moyens d’expression comme le dessin ou la peinture, la photographie offre une toute nouvelle richesse créative qui séduit aujourd’hui de nombreux artistes. Certains se situent déjà à mi-chemin entre plusieurs disciplines, en intégrant par exemple des éléments 3D ou de la peinture à leurs photographies.

Michel Redon, photographe plasticien, jongle déjà avec ces innovations, qu’il considère comme de véritables instruments au service de sa créativité.

La naissance de la « promptographie »

Revenons à Boris Eldagsen, qui a choisi de baptiser « promptographies » ces œuvres visuelles conçues par un artiste en collaboration avec l’IA. Un nouveau type d’imagerie qui devrait sans aucun doute se multiplier dans les années à venir.

Ayant flairé le potentiel commercial, Fabrice Greco, propriétaire d’un studio de création à Paris, propose déjà une collection de ces œuvres uniques. Les visuels sont imprimés sur du papier photographique haute définition, offrant une qualité exceptionnelle.

Nous assistons à l’émergence d’une toute nouvelle forme d’imagerie. nAujourd’hui, ceux qui maîtrisent la photographie ne savent pas nécessairement dessiner comme un peintre.

Demain, ceux qui créent des images auront-ils encore besoin d’avoir un paysage réel sous les yeux ou une personne devant eux pour réaliser un portrait ?

Les mots du philosophe français Edgar Morin viennent alors à l’esprit et font écho à son inquiétude face à l’effacement de la pensée complexe : « Je crains autant l’intelligence superficielle que l’intelligence artificielle. »

Qu’en pensez-vous ?

Remerciements: Laurent Breillat (Apprendre la photo), Robin Lamorlette (Clubic), Stéphane Lecalme (Developpez.com), Michel Redon.

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La culture du partage d’images et la transmission des émotions

The ShotVoice Team — Mon, 29 Dec 2025 10:03:00 +0000

La toute première envie de partager une image est sans doute celle de transmettre les sentiments qu’elle suscite en la regardant. Si les mots butent sur les limites de notre vocabulaire, la photographie prend alors le relais car elle permet d’abolir ces frontières et aller au-delà de notre raison pour toucher notre être et déployer des sensations que nos propres mots ne peuvent parfois atteindre.

L’apparition ces dernières années des réseaux sociaux a mis à notre disposition des territoires extraordinaires pour faire circuler les idées, favoriser les échanges mais aussi partager des photos : esthétique ou dérangeante, intime ou d’actualité, icône ou symbolique, la photo quand on décide de l’afficher sur notre « mur », est un acte très signifiant car il dit beaucoup de nous-même.

Le réseau social, terrain d’expression XXL pour l’image

« La révolution numérique, explique André Gunthert, historien de l’image, va tout d’abord faire exploser l’image sur le plan de sa production et de sa mobilité. Le fait de voir des images, de faire des images, de les discuter, de les envoyer, de les mettre en débat, a produit en de très courtes années, depuis 2010-2011, une nouvelle compétence visuelle qui est venue se substituer à une éducation à l’image inexistante.»

Les spécialistes de l’image avaient des compétences expertes mais pas le grand public qui, lui, restait à l’extérieur et qui était finalement juste un consommateur de production visuelle. Ce n’est plus le cas aujourd’hui. Les internautes possèdent un regard aiguisé sur la photographie, disposent de logiciels ultra performants qui suppriment la case du laboratoire, accessible essentiellement aux professionnels de l’image.

Qu’est-ce qui provoque le partage ?

Aujourd’hui, les amateurs de la photographie collectionnent les images, souvent découvertes sur les réseaux. S’établit alors une sorte de bibliothèque personnelle. Et comme dans la bibliothèque de tout honnête homme, le choix des lectures révèle les aspirations intimes, les goûts et les univers qui enchantent son possesseur.

Les valeurs clefs du partage

Ce cabinet de curiosités visuelles convoque les émotions et liste les territoires qui nous animent : la beauté, la tendresse, la poésie, le wow effect, les souvenirs, les aspirations, les sursauts du monde ou encore le côté feel good, tout ceci constitue les fondements de ce catalogue intime, peut-être même une identité. Une sorte de selfie pudique et intellectuel, celui de notre être intérieur.

Exemples de photos partagées

Jeu ou défi perso ? Les déclinaisons ludiques du partage

Le jeu de la ritournelle photographique sur les murs des réseaux en est un autre exemple. Une connaissance digitale vous invite à publier une photo chaque jour pendant une semaine ou chaque dimanche pendant un mois. La sélection, traduit encore une fois, votre état d’esprit, votre culture, vos centres d’intérêts voire vos prises de position. L’ingrédient majeur de ce jeu, c’est certainement la volonté de transmettre. Donner à voir ce qui nous anime ce jour précisément. La photo diffusée est un indicateur d’un instant T de soi.

De viseur à viseur ? Le terrain de l’échange n’est pas seulement épistolaire

Autre dispositif existant sur les plateformes digitales, le dialogue sans paroles entre photographes qui s’échangent chaque jour une image. Une sorte de journal intime à quatre mains et deux smartphones. Là encore la photographie transcrit des informations au-delà du verbe. Cette relation quotidienne, et non épistolaire, dessine le profil saisissant d’une amitié, le fondement même du partage entre deux personnes, nourries par une même passion.

Partage sans signature : une certaine idée de la réappropriation ?

La plupart du temps la signature de celle ou celui qui a conçu la prise de vue n’est pas mentionnée car « les images, une fois comprises, explique André Gunthert, font l’objet de réappropriations, de détournements ». Ces images sont à l’épreuve d’une nouvelle conversation, celle que l’on a choisi. A travers l’acte de poster l’image à cet instant, on souhaite dire quelque chose aux autres et là, le copyright importe peu. Ce n’est pas tant l’œuvre photographique qui est appréciée mais ce qu’elle véhicule comme idée ou souligne comme propos personnel.

Autres territoires du partage

Qu’est-ce qui motive l’envoi d’une image plus dérangeante, celle qui fait un pas de côté? Est-ce pour nous convier à une réflexion plus profonde? Selon le sujet et l’intensité, l’image va susciter une réaction, bousculer, nous arracher à notre zone de confort, elle entend bien sûr nous faire réagir. On songe aux images plasticiennes de Joël Peter Witkin, élaborées avec de véritables corps humains, au travail photographique documentaire d’ Eugène Richards sur la toxicomanie aux États-Unis ou sur les homeless de Lee Jeffries.

Élargir son champ de vision, appréhender le monde dans ses dimensions heureuses ou sordides, tels sont les commandements implicites de ces partages. Ici, la photographie témoigne, capte un réel inconnu de nous mais une fois regardée elle vient s’inscrire dans notre culture visuelle de manière indélébile, tout comme la lecture des pages de Primo Lévi.

Partage hors zone de confort : possible ou parfois impossible?

Parfois la photo dérangeante transcende même l’information et devient icône d’un drame. Comment ne pas se rappeler de la photo de Nilufar Demir qui a tant circulé sur les réseaux sociaux et les médias classiques, celle du petit Aylan Kurdi échoué sur une plage européenne et qu’il nous est difficile de colporter à nouveau.

Image symbole : la photographie qui échappe à son auteur ?

L’image peut également échapper au photographe lui-même, venir percuter la conscience collective et interpeller quiconque la regarde. De photo, elle devient symbole. Elle souligne la douleur, l’empathie et toute une cohorte de sentiments. Celle-ci sera partagée puis re-partagée et les plateformes numériques concourent à la démultiplication de ces photos d’exception. Une circulation qui devient rapidement exponentielle. Ces images diffusées sur les réseaux sociaux n’ont besoin d’aucun sous-titre ni commentaire. « La force de ces photographies symbolise à elle seule l’échec que nous sommes en train de vivre » commente Virginie Spies, Le Nouvel Obs.

Devenir son propre rédacteur en chef

Le partage de ces images si symboliques fait circuler du sens, et de la part des usagers c’est une manière de s’approprier l’espace médiatique, de le reconquérir, d’envisager même une sorte de travail éditorial en temps réel comme le précise André Gunthert. Les réseaux sociaux ont clairement permis ce champ d’applications. Aujourd’hui, devant la méfiance des médias traditionnels, les internautes, avec les compétences acquises en matière d’images, ont compris qu’ils pouvaient s’emparer de cet espace et de le faire sien.

Bibliothèque privée ou publique ?

Cette circulation visuelle n’est possible que lorsqu’elle est s’applique d’usager à usagers, d’ami à amis mais elle ne peut s’élargir sur le champ public car la question du copyright revient légitimement sur le devant de la scène.

La force de l’émotion, vecteur majeur du partage ?

A l’issue de ces différentes réflexions autour du partage : son territoire d’expression, l’idée de se constituer une bibliothèque visuelle signifiante, les différents modes de transmission – que ce soit sous forme d’invitation ou de conversation – il serait intéressant de se poser la question du pourquoi ? Pourquoi cette envie de se connecter à l’autre ou aux autres à travers une image proposée souvent sans mot, ni phrase ? Le dénominateur commun ne serait-il pas tout simplement l’émotion ? Les photos qui suscitent ce sentiment sont les plus diffusées et à y regarder de près, on remarque que cette émotion doit être plus puissante et doit toujours nous dépasser pour que le partage ait lieu. Voilà sans doute la vraie raison du partage.

Crédit Photo: Markus Winkler, DR , Eugène Richards , Lee Jeffries , Sergey Ponomarev and Corentin Fohlen.

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Les offres Black Friday 2025 pour les photographes et vidéastes

The ShotVoice Team — Thu, 20 Nov 2025 11:05:00 +0000

MIS À JOUR QUOTIDIENNEMENT

Le Black Friday est de retour — et avec lui, les meilleures offres pour les photographes, les vidéastes et les créateurs visuels.

Cette année, notre sélection va bien au-delà des simples réductions : elle met en avant des outils et des ressources qui vous aident réellement à créer, organiser et partager votre travail plus efficacement. Que vous ayez des heures de vidéos à gérer, des retouches à perfectionner ou votre marque à développer, vous trouverez des offres conçues pour simplifier votre quotidien de créateur.

Des logiciels basés sur l’IA aux solutions de stockage intelligentes, en passant par le matériel indispensable et les plateformes de formation, ce guide rassemble tout ce dont vous avez besoin pour faire progresser votre pratique à l’occasion du Black Friday 2025.

Choisissez une catégorie et découvrez toutes les offres :

Le kit essentiel du Black Friday pour les créateurs qui se lancent

Se lancer dans la création, c’est faire les bons choix dès le départ — le bon matériel, les bons logiciels et la bonne manière de protéger son travail.

Commencez par choisir votre matériel et vos accessoires sur des plateformes de confiance comme MPB ou Adorama, où vous trouverez un large choix d’appareils photo, d’objectifs et d’accessoires de qualité à des prix accessibles, adaptés à vos ambitions créatives.
Choisissez ensuite le logiciel de retouche ou de montage qui correspond à votre workflow — qu’il s’agisse d’Adobe Lightroom, Luminar Neo ou Capture One pour la retouche photo assistée par l’IA, ou de DaVinci Resolve et Premiere Pro pour la production vidéo professionnelle.
Dès le départ, organisez l’ensemble de vos contenus avec un gestionnaire de ressources numériques (DAM) comme Peakto, qui centralise vos photos et vidéos et utilise l’IA pour vous aider à rechercher, annoter et rester concentré sur la création plutôt que sur le classement de vos fichiers.
Enfin, veillez à stocker votre travail en toute sécurité. Utilisez des disques externes ou un NAS pour le stockage local, et complétez votre installation avec une solution de sauvegarde dans le cloud comme Backblaze ou Synology Drive, afin que vos données restent protégées quoi qu’il arrive.

Construisez des bases solides dès le départ — et laissez la technologie simplifier votre quotidien de créateur.

1. Meilleures offres du Black Friday sur les logiciels de retouche photo et de montage vidéo

Le Black Friday est le moment idéal pour investir dans des outils créatifs qui simplifient réellement votre workflow. Que vous retouchiez des photos, étalonniez des vidéos ou gériez d’importantes bibliothèques de médias, les bons logiciels peuvent vous faire gagner des heures de travail.

Voici notre sélection des meilleurs outils photo et vidéo de cette année — conçus pour aider les créateurs à travailler plus vite, plus intelligemment et avec une plus grande liberté créative.

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Luminar Neo

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Topaz Labs

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Advanced AI tools that restore sharpness, reduce noise, and upscale images and videos with incredible clarity.

Movavi

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Quick, simple video editing and screen recording for creators who want to produce quality content fast.

Fylm.ai

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Cloud-based color-grading that helps teams design, share, and apply consistent cinematic looks across projects.

Avalanche

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Transfer or merge catalogs between editing apps without losing edits or metadata — a smooth way to switch platforms.

Wondershare Filmora

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Descript

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Edit video and audio by editing text — perfect for tutorials, podcasts, and educational creators.

DaVinci Resolve Titles

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Save time and effort with ready-to-use, professionaly designed templates…

Runway ML

Coming soon

AI-driven creative tools for generating, enhancing, or editing video content with simple text prompts.

2. Offres sur le matériel photo et les accessoires pour les créateurs

Votre équipement est le prolongement de votre créativité — et les bons accessoires rendent chaque shooting plus fluide. Des trépieds robustes aux filtres polyvalents, en passant par les sacs fiables et les stabilisateurs, ces outils sont conçus pour accompagner les créateurs partout où l’inspiration les mène.

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3. Offres Black Friday sur les ressources et formations essentielles pour les créateurs

La créativité ne s’arrête pas à la retouche ou au montage — elle se nourrit d’inspiration, d’apprentissage et d’échanges. Ces ressources sont là pour vous aider à développer vos compétences, explorer de nouvelles idées et rester connecté avec d’autres créateurs du monde entier.

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Impact de la technologie sur l’environnement

The ShotVoice Team — Fri, 26 Sep 2025 05:00:00 +0000

Smartphone, ordinateur, appareil photo, réseau internet, câblage… Nous possédons et utilisons tous le numérique. Cependant, nous ne connaissons pas réellement l’impact sur le climat de son utilisation. Personne ne peut être parfait en matière d’écologie et de respect de l’environnement mais nous avons pour vocation de contribuer à diminuer l’impact du numérique sur le climat et de sensibiliser notre communauté sur de nombreuses valeurs environnementales. Prendre conscience de notre empreinte est la première étape pour modifier nos comportements. Voici ce qu’il faut retenir de l’impact du numérique.

Le numérique, un impact plus important que l’aviation

Vous aussi vous utilisez de plus en plus le numérique ? Sachez que vous pollueriez moins en faisant un aller-retour en direction de votre destination de rêve qu’en utilisant autant d’appareils numériques. En effet, le numérique produit 3.5% des gaz à effet de serre de la planète quand le trafic aérien n’en génère que 2%. Cette production de gaz à effet de serre ne se remarque pas et n’est pas forcément visible à l’œil nu. Cependant, avec la production massive et l’utilisation de ces appareils numériques, nous polluons bien plus que ce qu’on pourrait imaginer.

La fabrication, l’étape aux gros dégâts

Comme pour les voitures électriques, la fabrication du matériel constitue 75% de l’empreinte carbone du numérique. La fabrication de télévisions, d’ordinateurs, de smartphones etc, pollue énormément.

La fabrication de cet écosystème numérique demande l’import de matière première de toute sorte et comme tout produit industriel, un appareil a besoin de beaucoup de matières pour sa conception. En quelques chiffres, le numérique c’est :

600 kg de matières premières sont mobilisés pour un ordinateur portable de 2kg. 500 kg pour une box Internet. C’est aussi 114kg de CO2 sur les 156kg de CO2 émis sur son cycle de vie.*
70 matériaux différents, dont 50 métaux (notamment des métaux rares) sont nécessaires pour fabriquer un smartphone. Une tendance qui s’accentue puisque les téléphones portables ne contenaient qu’une vingtaine de métaux il y a à peine dix ans…
Un smartphone pèse 150 grammes mais sa fabrication a demandé près de 15 kilos de matières premières.

Avec l’épuisement des ressources naturelles comme le bois, l’eau et les minerais précieux à un rythme inégalé et avec les conditions de travail déplorables dans les mines (d’où sont extraits les fameux métaux rares), on peut facilement observer que l’impact du numérique sur l’environnement est fort. Ce sont des résultats bien lourds pour une industrie dite d’avenir dans un contexte actuel où les questions climatiques sont au centre des préoccupations.

Une surconsommation du numérique à la base de cet impact sur le climat

Nous consomatteurs voulons toujours plus de stockage, la 5G, une meilleure qualité d’image… Et cela engendre un changement d’équipement beaucoup plus régulier qu’il y a 10 ans. Nous cherchons constamment des produits plus innovants qui sauront nous satisfaire au mieux quel qu’en soit le prix ou les répercussions sur l’environnement et le climat. La plupart de nos objets numériques sont conçus avec une l’obsolescence programmée, malgré les décisions gouvernementales de nombreux pays à l’encontre de ces pratiques. Acheter des produits reconditionnés semble être une bonne solution pour lutter contre cette consommation massive – souvent très rentable pour les consommateurs et utile pour la planète. En effet, le nombre de déchets numériques monte à 57 millions de tonnes en 2021 et cette valeur ne cesse d’augmenter année après année. Rajoutons que seulement 17% de ces déchets sont recyclés.

De plus, la fabrication est centralisée en Asie. Les appareils doivent donc être distribués dans le monde entier et cette distribution multi-canal (terrestre, maritime et aérien) a également un impact sur le réchauffement climatique. De leur conception à leur distribution, nos appareils numériques sont transportés à travers le monde, ce qui est source de pollution supplémentaire. Par exemple, un smartphone fait en moyenne 4 fois le tour du monde pour être fabriqué.

La centralisation des données dans les serveurs, quel impact ?

Une fois votre ordinateur, votre appareil photo ou votre smartphone arrivé entre vos mains, vous stockez forcément des données dans des Data Centers qui eux aussi consomment et polluent énormément.

Un Data Center est un immense local composé de nombreux serveurs recueillant les données d’utilisateurs du monde entier, à savoir comme par exemple les mails, les photos, la musique, des vidéos… Pour stocker et analyser toutes ces données, évidemment, les Data Centers ont besoin d’une part d’électricité colossale. Ils reposent souvent sur de l’électricité alimentée en énergies fossiles bien plus qu’en énergies renouvelables. Selon le pays où ils se trouvent, ils ont donc un impact fort sur le climat, comme en Chine par exemple, puisque le pays qui tire son électricité du charbon. Les Data Centers en Chine prennent 2.35% sur toute l’électricité utilisée, un chiffre beaucoup trop important. Il y a actuellement 4500 Data Centers dispersés dans 122 pays, qui utilisent tous beaucoup d’électricité et rejettent donc tous des taux de CO2 importants.

Notre usage numérique a toujours un impact sur l’environnement. Ainsi, avec 10 milliards de messages électroniques envoyés par heure dans le monde, cela équivaut à 50 gigawatts, soit la production électrique horaire de 15 centrales nucléaires !

Ajoutons que la création d’un site internet repose sur l’utilisation obligatoire de plusieurs serveurs, dépendant d’un seul réseau. Chaque création de site internet engendre de la pollution, d’autant quand le site en question génère des millions de données comme pour des entreprises telles qu’Amazon ou Netflix. Il faut savoir que ce sont les sites de streaming qui polluent le plus. Le streaming vidéo et ses fichiers souvent très volumineux représentent l’équivalent de l’émission de CO2 d’un pays comme l’Espagne. Il faut noter qu’à chaque fois qu’une meilleure résolution de vidéo apparaît, le poids des vidéos augmente également. Ainsi avec l’apparition de la 8K, le nombre de Data Centers va donc lui aussi augmenter. Le streaming se diversifie d’ailleurs de plus en plus avec l’apparition des plateformes de streaming comme Twitch qui viennent compléter les plateformes énergivores comme Netflix ou Disney+.

Cependant, il est possible de faire appel à l’hébergement web vert, qui repose sur l’utilisation d’énergies renouvelables, comme l’énergie solaire ou éolienne. Apple, Google et Facebook se sont engagés à utiliser des énergies renouvelables pour leurs Data Centers, mais malheureusement, cet objectif est très difficile à accomplir pour le moment.

Des pratiques énergivores, le cas des crypto-monnaies

Depuis maintenant quelques années, l’émergence des cryptomonnaies bat son plein mais là aussi, l’empreinte carbone est loin d’être neutre. Pour collecter des crypto-monnaies comme le Bitcoin ou l’Ethereum, vous pourrez soit les acheter à leur prix courant soit les miner. Le minage fait référence au processus qui permet de gagner des crypto-monnaies en résolvant des équations cryptographiques complexes à l’aide de la puissance de calcul d’ordinateurs. Cette opération suscite de plus en plus d’interrogations car elle permet à toute personne intéressée de potentiellement s’enrichir mais le minage est réellement très énergivore et génère donc des émissions de CO2 en conséquence. 50 à 80% du minage se fait en Chine, avec une électricité fortement carbonée.

Des prévisions alarmantes sur l’utilisation du numérique

Nous entendons et voyons arriver sur le marché de plus en plus d’objets connectés apportant tous des innovations plus intéressantes les unes que les autres. Personnellement, j’ai entendu parler de barbecues ou encore de potagers connectés. Et j’ai pu observer dans le commerce pas mal d’objets connectés comme des balances, des brosses à dent ou encore des ampoules qui se contrôlent grâce à des applications mobiles. Un objet connecté correspond à un appareil qui possède une partie électronique permettant d’envoyer les données collectées sur internet et ainsi de les contrôler.

En 2022, il existe plus de 16 milliards d’objets connectés sur la planète et nous devrions atteindre, selon les études, plus de 50 milliards d’objets connectés d’ici 2030. Cette augmentation de plus de 300% est le résultat de cette surconsommation et l’impact que cela aura sur le climat sera un désastre certain.

Avec le rapport du GIEC de 2022 plus qu’alarmant, continuer de nier l’impact que l’on a sur le climat est une erreur qui sera rédhibitoire sur le long terme. Notre utilisation massive du numérique n’est pas non plus en corrélation avec les enjeux climatiques actuels.

Quelques conseils afin de devenir plus responsable de l’environnement et du climat.

Ainsi, à l’heure actuelle, que ce soit par la fabrication ou l’utilisation de nos outils numériques, toutes ces actions ont un impact sur le climat et notre environnement.

Si vous voulez faire une différence, envisagez de conserver le plus longtemps vos appareils, et d’en acheter moins ou d’en acheter reconditionnés. Vous vous attaquerez alors à 75% de votre impact numérique.

Mais si vous voulez participer à moindre échelle aux conséquences de votre empreinte en ligne, vous pouvez également supprimer vos mails, supprimer vos doublons de photos ou de vidéos et supprimer vos fichiers, ce qui touchera alors à 0.0005% de votre consommation technologique.

À grande ou petite échelle, chaque pas contre l’impact du numérique sur l’environnement climatique est à prendre.

*Chiffres issus du Guide pratique du numérique par l’Ademe.

Crédit Photos: Chris Le Boutillier, Celestine Ngulube, Dion Beetson, Daniel Born, Naja Bertolt Jensen, Faye Cornish.

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Le sourire en photo : pourquoi avons-nous commencé à sourire ?

The ShotVoice Team — Thu, 25 Sep 2025 17:24:00 +0000

Comment le sourire est-il devenu incontournable en photographie ? Sourire, on le sait, est une expression faciale qui met en lumière un état d’esprit heureux, une ouverture bienveillante au monde de notre part. Il se destine à créer du lien, en attirant un courant de sympathie, à abolir les distances et instaurer un climat de confiance en provoquant naturellement l’empathie. Mais les sourires, il en existe de toutes sortes : des niais, des éblouissants et lumineux, des « en coin », des nerveux, des narquois, des mystérieux, des mystiques, des manipulateurs et des trompeurs, des marketings, des chaleureux, des implicites et des ambigus,… bref, le sourire laisse filtrer en réalité une sacrée palette d’émotions et plutôt contradictoires.

Alors pourquoi le sourire est l’expression la plus utilisée quand on prend la pose devant un appareil photo ou un selfie ? Est-ce la meilleure représentation de soi ? Est-il censé résumer notre moi du moment ? Petite histoire sur une parade bien plus complexe qu’il n’y parait.

L' Art du sourire

À l’exception du sourire très doux de l’ange de la Cathédrale de Reims qui date de 1240, le sourire dans l’art n’était pas très fréquent au cours des siècles précédents. Sa présence dans la peinture ou la sculpture est même jugée scandaleuse car elle transgresse les conventions sociales. L’historien britannique Colin Jones explique qu’il était de bon ton de maîtriser son corps et ses émotions. L’art n’en est que le reflet. Bien sûr, l’hygiène déficiente de la dentition suggérait aussi des portraits à la bouche bien fermée car 30 ans rimaient fréquemment avec dents gâtés !

Il faudra attendre le XVIe siècle avec Antonello de Messine qui peint un marin au sourire grimaçant et surtout Léonard de Vinci, quelques années plus tard, avec La Joconde et son sourire énigmatique. Et c’est une grande première. Le musée de Cefalù en Sicile, où est présentée l’œuvre de Messine, mentionne d’ailleurs qu’il s’agit de la deuxième représentation au monde du sourire dans un portrait peint (bien qu’il soit antérieur à La Joconde). En s’affichant ainsi à cette époque le sourire témoigne aussi d’une modification dans les comportements en société.

Cette « marque de satisfaction intérieure » comme la définit Diderot et d’Alembert dans leur Encyclopédie s’affiche encore timidement aux XVIIe et XVIIIe siècles. Remercions surtout la prophylaxie dentaire née au XIXe siècle pour voir apparaître de véritables sourires aux dents blanches !

«Cheese, oustiti, sexy et sourire Gibbs»

Avec l’apparition des appareils photographiques destinés aux amateurs, le sourire va devenir le sésame des albums photos. Il faut afficher sa bonne santé, sa prospérité et sa joie de vivre. Le sourire est plus que de rigueur dans le monde des images, c’est même devenu une injonction photographique !

C’est dans les années 20-30 que l’on commence à prononcer le mot « cheese » devant un appareil photo pour sourire sur commande. « Ouistiti » et « sexy » seront les versions françaises pour la posture. Le sourire devient la norme et s’affiche partout : dans les campagnes publicitaires, les portraits chorales des entreprises, les affiches électorales, les gens célèbres croisés dans leur quotidien, tout le monde sourit sur le papier glacé et dans les bacs de révélateur. 1950, la marque de dentifrice Gibbs vante les mérites de son produit grâce aux sourires impeccables de Pierrette et de Pierre.

Mais au fond quelle part de nous-même, souhaite-t-on offrir au monde lorsque l’on sourit sur une photo ? La joie d’un apéro entre amis, les heureuses cousinades de l’été, les instants précieux captés à la volée ou encore la récompense d’un effort ?

C’est tout cela bien sûr mais n’est-ce pas aussi une posture sociale qui sous-entend afficher coûte que coûte notre bien-être, notre vie exceptionnelle et la chance d’en bénéficier ?

L’arrivée des smartphones a bouleversé l’espace dédié à la photographie. En quelques années, l’image s’est invitée dans notre vie, elle accompagne nos espaces intimes, elle révèle chaque instant de notre vie et le fait savoir. Avec cet outil si facile de maniement, photographier est devenu un acte quotidien et nous accompagne dans de nombreuses situations. Avec les smartphones sont apparues aussi les applications destinées spécifiquement à la photographie. Faciles d’utilisation et souvent très performantes, elles ont véritablement révolutionné la pratique photographique et suscité des créations étonnantes…

Les sourires de Olly Gibbs...

L’artiste londonien Olly Gibbs a réalisé un travail photographique où le sourire devient l’élément capital de sa création. Grâce à l’application FaceApp, il décide de rendre le sourire à tous les tableaux ou sculptures à tendance dépressive. Le résultat est joyeux à souhait et redonne la banane aux plus mélancoliques portraits flamands !

...ou ceux de BeenyVD

Le photographe Beeny VD propose un travail super feel good en proposant de mettre son talent de photographe pro au service des gens de la rue. « Je me suis dit que ça pourrait être pas mal d’aller dans la rue et redonner un peu le sourire aux gens. » Vincent alias Beeny VD, boitier en bandoulière, sillonne donc les villes et interpelle les gens dans les parcs, les abribus ou les files d’attente pour leur proposer un cliché d’eux avec le sourire. Et ça marche car tout le monde se prête au jeu du bonheur affiché et immortalisé par un pro.

Le phénomène « selfie »

L’arrivée des réseaux sociaux a suscité une mise en avant de notre vie et de nos activités de manière phénoménale. Tout naturellement la photo est venue s’intégrer dans cette loupe XXL de notre vie. Facebook, Instagram ou Snapchat relayent nuit et jour les états d’âme, les habitudes ou les situations et l’autoportrait s’est naturellement imposé dans ce débordement continu d’informations. La prise de vue de soi toujours flatteuse, inspirante, en groupe ou en close-up, a constitué une véritable révolution dans notre société et dans notre rapport à l’autre. Influenceur(ses), hommes politiques, artistes, même le Pape François se sont mis au selfie. L’égo-portrait est donc rapidement devenu un outil marketing où les marques se bousculent au portillon du moindre influenceur(ses). Le sourire en selfie est même devenu un mode de paiement sécurisé pour Amazon. Là aussi les apps qui façonnent le « selfie » sont pléthoriques et plutôt bien faites : animations, retouches en mode chirurgie esthétique, apports ludiques pour personnaliser ses selfies.

Acte narcissique le « selfie » ? Certes mais pas que. C’est réaliser bien sûr une photo de soi-même, c’est à dire se mettre en scène en retournant l’appareil vers soi, donc dos au monde, mais c’est aussi pour partager, créer du lien, de l’échange, du commentaire, du « like » et témoigner également d’une identité communautaire, comme par exemple afficher une appartenance à un parti ou un club de foot. Il existe, selon Pauline Escande-Gauquié, maître de conférences à l’Université Paris Sorbonne CELSA, une fascination du selfie car il crée un jeu de regard totalement inédit : Je me regarde, tu me regardes et je te regarde me regarder. C’est donc un acte de sociabilité qui souligne que le fait que si l’on me regarde j’existe. Le selfie permet donc un jeu très important dans la construction identitaire mais aussi collective et le sourire fait partie du combo gagnant.

Vous êtes Duck face ou Sparrow face ?

Si le sourire « selfie » était le pass obligatoire aux « like », d’autres expressions viennent chahuter cette bonne vieille expression du bonheur. Exit donc le sourire considéré un poil ringard, place au Duck face, la mimique qui consiste à serrer et avancer les lèvres tout en creusant les joues.

Mais faites vite car ce Duck Face est en passe d’être détrôné lui aussi par le Sparrow face (visage de moineau), dernière petite révolution venue du Japon qui consiste, là, à ouvrir les yeux en grand ainsi que la bouche, comme un oisillon attendant la becquée, le tout accompagné d’un V de la victoire.

Le dernier mood made in XXIe siècle

Il semblerait donc que le sourire ces derniers temps a du plomb dans l’aile et qu’il soit même un peu ringard et pas que pour les « selfie ». Dernière tendance, celle du visage fermé et impassible. Pour preuve la moue de la célèbre journaliste de mode Ana Wintour qui ne décroche plus de sourires depuis fort longtemps lors des défilés de la « fashion week ».

Quelle interprétation doit-on tirer de ce changement radical d’expressions faciales face à l’objectif ?

Contre coup de la banalité du sourire sur les clichés ?

Version distanciée et étudiée face au monde qui nous entoure ?

Témoignage d’une nouvelle posture sociale ?

Question ouverte…

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NFT photographiques et avenir de la propriété numérique

The ShotVoice Team — Thu, 25 Sep 2025 12:01:00 +0000

La photographie est depuis longtemps un média qui s’appuie sur les tirages physiques et les expositions pour présenter et vendre ses œuvres. Cependant, avec l’essor des médias numériques, les photographes explorent désormais de nouveaux moyens de vendre et d’exposer leurs œuvres, et les jetons non fongibles (NFT: non-fungible token) apparaissent comme une technologie potentiellement transformatrice. Dans cet article, nous allons explorer le potentiel des NFT pour les photographes, leur fonctionnement et les aspects du droit d’auteur à prendre en compte.

Que sont les NFT ?

Les NFT sont des biens numériques uniques qui sont vérifiés sur une blockchain, un grand registre numérique décentralisé et sécurisé. Cela signifie que les NFT peuvent être achetés, vendus et échangés comme tout autre bien physique, mais qu’ils existent entièrement dans le domaine numérique. L’un des principaux avantages des NFT est qu’ils peuvent représenter la propriété de biens numériques uniques, tels que l’art, la musique et la photographie. Cela permet aux photographes de vendre leurs œuvres en tant qu’objets de collection numériques, plutôt qu’en tant qu’impressions physiques ou expositions.

Comment fonctionnent les NFT ?

Les NFT sont créés à l’aide de contrats intelligents, qui sont des contrats auto-exécutoires dont les termes de l’accord entre l’acheteur et le vendeur sont directement inscrits dans des lignes de code. Lorsqu’un NFT est créé, le contrat intelligent spécifie les détails du bien, notamment sa propriété, sa provenance et toute autre information pertinente.

Une fois qu’un NFT est créé, il est stocké sur la blockchain et peut être acheté, vendu et échangé comme tout autre bien. La propriété d’un NFT est enregistrée sur la blockchain, et le contrat intelligent garantit que les conditions de la vente sont respectées.

Il existe plusieurs plateformes et startups qui permettent aux artistes et aux photographes de bénéficier des NFT. Parmi les plateformes populaires, on trouve Nifty Gateway, OpenSea et SuperRare. Des startups comme ArtByte, Artax et ArtVenture proposent également aux artistes et aux photographes des moyens nouveaux et innovants de monétiser leur travail grâce aux NFT.

Quels sont les avantages des NFT pour les photographes ?

Il existe plusieurs avantages potentiels des NFT pour les photographes :

La propriété : Les NFT permettent aux photographes de vendre leurs œuvres en tant qu’objets de collection numériques, plutôt qu’en tant que tirages physiques ou expositions. Ils peuvent ainsi conserver la propriété de leur œuvre et contrôler la manière dont elle est exposée et vendue.
Redevances : Les NFT peuvent être configurés de manière à verser des redevances à l’artiste, ce qui constitue une nouvelle source de revenus pour les photographes.
Accessibilité : Les NFT peuvent être achetés et vendus dans le monde entier, ce qui permet aux photographes de toucher un public plus large et de vendre leurs œuvres à des collectionneurs partout dans le monde.
Authenticité : Les NFT offrent aux photographes un moyen de prouver l’authenticité de leurs œuvres, car la propriété et la provenance de l’actif sont enregistrées sur la blockchain.
Longévité : Les actifs numériques peuvent être conservés indéfiniment, ce qui garantit que le travail d’un photographe sera accessible pour les générations à venir.

Exemples de ventes réussies de NFT par des photographes

Ces dernières années, le monde de la photographie a connu un changement important avec l’émergence des NFT.

Les photographes sont désormais en mesure de monétiser leur travail d’une nouvelle manière en vendant des actifs numériques uniques sur des plateformes blockchain. Ces actifs peuvent inclure des éléments de toute sorte, d’une seule photographie à une série d’images, et peuvent même inclure des vidéos et de l’art 3D.

Parmi les exemples notables de photographes utilisant des NFT, on peut citer Kevin Abosch, qui a vendu la photographie d’une pomme de terre pour plus d’un million de dollars, et Mike Winkelmann, également connu sous le nom de Beeple, qui a vendu une œuvre d’art numérique pour un montant record de 69 millions de dollars à la maison d’enchères Christie’s. D’autres photographes, tels que Trevor Jones (Trevor Jones a vendu une collection de ses photographies sous forme de NFT pour un total de 100 000 dollars) et Mads Madsen, utilisent également les NFT pour vendre leurs œuvres et créer une nouvelle source de revenus.

Andreas Gursky, dont la photographie « Rhein II » s’est vendue plus de 4,3 millions de dollars sous forme de NFT, est un autre exemple impressionnant.

Ces exemples montrent que les NFT peuvent révolutionner le secteur de la photographie en donnant aux photographes un plus grand contrôle sur la distribution et la propriété de leurs œuvres. À mesure que l’utilisation des NFT se développe, il sera intéressant de voir comment elles influenceront la manière dont les photographes créent, partagent et vendent leur art.

Aspects des droits d'auteur à prendre en compte

Les droits d’auteur sont l’une des principales questions à prendre en compte lorsque l’on utilise des NFT pour vendre des photographies. Les photographes doivent s’assurer qu’ils possèdent les droits d’auteur des images qu’ils vendent en tant que NFT, ou qu’ils ont l’autorisation du détenteur des droits d’auteur pour le faire. Il est également important de tenir compte des conditions d’utilisation des images.

Par exemple, l’acheteur d’un NFT peut ne pas avoir le droit de reproduire l’image ou de l’utiliser à des fins commerciales. Ces conditions doivent être clairement énoncées dans le contrat intelligent du NFT. En plus des droits d’auteur, les photographes doivent également tenir compte d’autres questions juridiques, telles que la marque et la vie privée. Par exemple, si une image contient la ressemblance d’une personne reconnaissable, le photographe doit obtenir son consentement avant de vendre l’image en tant que NFT.

Autres précautions à avoir en tête

Au-delà de l’enregistrement des droits d’auteur, les photographes utilisant des NFT peuvent prendre plusieurs précautions pour éviter les infractions et les problèmes.

Si un photographe utilise le travail ou le contenu de quelqu’un d’autre, il doit obtenir l’autorisation du titulaire du droit d’auteur avant de l’inclure dans son NFT. Il est préférable pour les artistes d’utiliser un contenu original qu’ils ont créé eux-mêmes. Cela élimine le risque de violation des droits de quelqu’un d’autre. Conserver des traces de leur travail original et de toutes les licences ou autorisations obtenues par les photographes pour l’utilisation du contenu d’autres personnes peut aider à prouver la propriété et à éviter les conflits.

Les photographes peuvent également utiliser des filigranes pour protéger leur travail et empêcher les autres de l’utiliser sans autorisation. Ils devraient envisager de demander un avis juridique s’ils ne sont pas sûrs de la légalité de l’utilisation d’un élément de contenu spécifique ou s’ils ont des doutes quant à la violation des droits d’auteur. Enfin, il est important d’envisager d’utiliser une plateforme NFT de bonne réputation qui a mis en place de solides mesures anti-contrefaçon.

Conclusion

Les NFT sont en train d’émerger comme une technologie potentiellement transformatrice pour les photographes, offrant un nouveau moyen de vendre et d’exposer leurs œuvres. Si l’utilisation des NFT présente de nombreux avantages, il est important que les photographes examinent attentivement les aspects juridiques et de droits d’auteur liés à la vente de leurs œuvres en tant qu’objets de collection numériques.

Crédit Photos: Rostislav Uzunov, Nathan Watson, Trevor Jones, Andreas Gursky, Arthur Mazi.

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La révolution du photophone en photographie

The ShotVoice Team — Tue, 23 Sep 2025 17:22:00 +0000

A l’époque, qui aurait pensé qu’on prendrait davantage de photos avec nos téléphones qu’avec nos appareils photos traditionnels?

Il faudra attendre 2008 pour que la photographie mobile atteigne la barre des 8 mégapixels et que le sujet devienne “sérieux”.

Aujourd’hui environ 67% des personnes possèdent un téléphone portable dans le monde et l’utilisent pour faire des photographies. D’après les chiffres de 2020, sur 1.400 milliards de photos prises en une année, près de 1.200 milliards ont été prises avec des smartphones.

La guerre entre les fabricants de smartphones

Les constructeurs de téléphones l’ont bien compris, la possibilité de prendre des photos à tout instant et de pouvoir les partager est une fonctionnalité différenciante dans l’achat d’un smartphone.

La guerre entre les fabricants se catalyse autour des innovations sur les appareils photos intégrés et à la course aux mégapixels. Désormais elles consacrent une grande part de leur expertise à accentuer la qualité photos de leurs produits. Certains objectifs peuvent proposer une résolution aussi satisfaisante qu’un appareil photo numérique. Ces inventions photographiques sont d’autant plus appréciées que les images se partagent maintenant instantanément grâce à l’évolution des réseaux sociaux. Instagram est très utilisé par les amateurs comme les photographes professionnels (près d’1 milliard d’utilisateurs par mois).

L'innovation dans le hardware

2020 représente le point d’orgue dans cette course avec pour Samsung la sortie d’un capteur de 108 Mpx et pour Apple l’introduction d’un tout nouveau format. L’Apple ProRaw dans l’iPhone 12 améliore grandement la qualité des clichés avec des algorithmes (comme le Deep Fusion ou encore le Smart HDR) tirant partie de la puissance de ses puces mobiles. Ils ne sont pas les seuls à dominer ce marché où se battent également Google et Huawei (acquéreur de Leica en 2016), en amenant leurs innovations matérielles ou logicielles. Désormais, les trois objectifs sur smartphones haut de gamme sont presque un standard : un ultra grand angle pour voir très large, un grand angle pour capturer des photos classiques, et un zoom pour voir plus loin.

La qualité de photos des mobiles s’est rapprochée de celle des reflex, cependant, elles demeurent toujours moins piquées et sensibles en basse lumière.

Les photophones s’adaptent à chaque utilisation et à chaque utilisateur. Le capteur LiDAR et le capteur de distance sont de plus en plus présents dans nos téléphones. LiDAR est utilisé pour accélérer la mise au point en basses lumières.

Par ailleurs, le capteur de distance permet d’analyser l’environnement 3D et de connaître le placement en 3D du sujet. Cela facilite donc l’application de traitements innovants.

Exemple : le changement de la profondeur de champ après avoir pris la photo, le changement des conditions d’éclairage et la séparation de l’arrière – plan, du premier plan – opération indispensable pour appliquer le flou du mode portrait.

Apparaît aussi un nouveau concept d’objectif. Pixter, est une marque qui a créé des objectifs pour caméras de téléphones qui s’ajoutent directement sur la caméra pour améliorer ses photos. Ils sont compatibles avec tous types de téléphones.

Intelligence Artificielle

C’est là que les logiciels embarqués des photophones interviennent avec des évolutions spectaculaires. Les algorithmes et l’intelligence artificielle prennent le relais de l’optique qui reste limitée par la petite taille des téléphones. Par exemple, le Deep Fusion, combinaison d’images prises en rafale, permet d’améliorer l’image finale et augmenter la sensibilité. Le HDR sélectionne le meilleur moment entre trois photos avec différentes expositions et les combine pour améliorer le rapport de contraste.

D’autre part, les logiciels de retouches photographiques d’éditeurs de logiciels apparaissent et intègrent des fonctionnalités puissantes. Extrêmement simples d’emploi, il sont souvent basées sur les Intelligences Artificielles (IA). Prenons l’exemple de Luminar AI sorti en 2020. De la même manière que les logiciels embarqués dans les smartphones utilisent l’IA pour « fabriquer » la meilleure prise de vue, Luminar AI analyse la scène pour suggérer des styles ou des retouches adaptées au sujet et aux conditions. Luminar propose en outre des outils intelligents facilitant des tâches fastidieuses souvent basées sur un détourage préalable. Remplacer un ciel ou amincir un visage devient un jeu d’enfant.

Au cours des deux dernières années, le nombre de personnes retouchant leurs photos a été multiplié par 2 ! Et Lightroom, Luminar ou Capture One sont parmi les applications les plus utilisées pour cela.

Les photophones ont certes révolutionné l’ère du digital et la façon de prendre des photos ou de les partager, mais ils resteront (toujours) moins performants qu’un appareil photo reflex ou hybride qui eux aussi évoluent et intègrent chaque année des innovations remarquables.

Smartphones et Reflex mis à l'épreuve

Le photographe Josh Rossi a réalisé une comparaison osée : comparer les images prises avec un Fujifilm GFX 100 et celles capturées par l’Iphone 11.

Le résultat est tout simplement impressionnant. La différence en matière de pixels est également flagrante. Après avoir réalisé le même portrait avec les différents appareils, la différence entre les clichés est vraiment minime. Elle se situe surtout au niveau de l’arrière-plan. Sur ce point, le GFX100 est plus performant. Néanmoins, on peut dire que l’iPhone 11 se défend bien.

Le meilleur appareil photo pour vous...

La comparaison entre les deux types d’appareils n’est d’ailleurs pas forcément un sujet pertinent. Le but des nouvelles technologies embarquées dans les photophones est de permettre à chacun de pouvoir faire les plus belles photos possibles sans être un photographe chevronné.

Cet appareil photo commence d’ailleurs à prendre des photos avant même que l’on n’appuie sur le déclencheur et choisit la meilleure d’entre elles. Non seulement il est toujours avec nous mais il va aussi plus vite que nous. Les utilisateurs de photophones ne recherchent donc pas forcément une qualité optimale de photos mais suffisante pour capturer un instant, créer et partager des souvenirs.

“Finalement, le meilleur appareil photo n’est - il pas celui que vous avez avec vous ?”

Chase Jarvis

Lien: The Best Camera Is the One That’s with You par Chase Jarvis

Photos de Jayson Hinrichsen, Rodion Kutsaev, Lukenn Sabellano, Cyril Caiazzo,Daniel Gold,TheREGISTI et Pixter

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Photo argentique vs numérique : quel impact environnemental ?

The ShotVoice Team — Tue, 23 Sep 2025 16:56:00 +0000

Photos argentiques, avancée du numérique ou obsolescence programmée, quel impact la photographie a sur l’environnement ? Pour tous ceux qui, comme nous, se demandent quelle empreinte une photo peut avoir sur l’environnement, voici un article sur l’histoire de l’impact environnemental de nos photos.

Argentique, objet polluant mais innovant

1839 marque le début des premiers appareils photos argentiques. Ils portent déjà un nom emprunté au vocabulaire de la chimie, faisant référence aux minuscules agrégats d’argent qui constituent les images produites selon ce procédé. Nous nous interrogerons alors sur ses composants et leur impact environnemental.

Bien qu’ils soient durables et réutilisables, les appareils photos argentiques, sont composés de nombreux matériaux polluants.

Mais lesquels de ces composants polluent le plus ?

Le polluant numéro un, est le composant vital : le film argentique. Pour recevoir les couleurs et le noir et blanc, le film argentique se compose de matériaux très polluants : le plastique (triacetate de cellulose) et l’halogénure d’argent (sur base de Chlore ou de bromure, bromure souvent employé). Ces éléments essentiels sont des produits très mauvais pour la planète et l’environnement.

Le deuxième gros polluant est bien sûr la chimie permettant de développer les films. Celle-ci induit alors l’utilisation de révélateur (hydroquinone) et de fixateur (thiosulfate de sodium) chimiques. Ces produits provoquent alors des déchets toxiques pour la nature, et finissent dans les eaux usées et dans l’environnement.

Démocratisation des photos imprimées

Saviez-vous qu’avant les films argentiques, les photographies étaient impressionnées sur des supports en verre fin ? Ces deux procédés peu pratiques et longs à développer ont alors été remplacés par des pellicules Plan film et Roll film en 1925. Quelques années plus tard, en 1935, la couleur fait son apparition et se répand à grande échelle dans les années 50.

Avec l’avancée des appareils destinés au grand public, en 1948, Edwin H. Landn, décide de concevoir un procédé permettant d’imprimer ses photos instantanément. Les images sont développées sur des films polarisants spéciaux, qui étaient basés sur un film polymère étiré avec de l’iode diffuse. Nommé Polaroïd, ce concept marque le début de la démocratisation de la photo grand public et l’impression de masse.

Sur le front des appareils photos grand public, les années 80, font naître des appareils photos jetables ou “prêt-à-photographier”. Leurs pellicules se devaient d’être souples et résistantes à la fois, avec un faible coefficient d’élongation, une bonne résistance au vieillissement et une parfaite compatibilité avec l’émulsion. Mais là encore, pour pouvoir répondre à ces exigences techniques, les pellicules étaient conçues avec des produits chimiques et polluants. Tout comme pour les impressions argentiques, on retrouve du triacétate de cellulose ou du polyester dans la liste des ingrédients…

Les procédés de ces années fastes pour la photographie ont donc un impact sur l’environnement. La masse de papier utilisée est très importante, avec la facilité d’impression on imprime même les photos ratées et le papier utilisé est traité avec des produits chimiques. De plus, les boîtiers en plastiques composés de nombreux matériaux dangereux ne sont pas recyclables. A cette époque, l’idée de l’écologie était bien loin de celle d’aujourd’hui.

La grande illusion du numérique “plus écologique”

Avec l’arrivée des Cloud, au début des années 2000, l’achat d’appareils photos numériques est monté en flèche. Pensant que ce Cloud était un nuage immatériel et que nos photos étaient dématérialisées, le stockage de photos a incroyablement augmenté. Cependant, la réalité est tout autre.

Photographie et matériaux nuisibles

Beaucoup de ressources naturelles et de matériaux lourds sont utilisés pour fabriquer nos appareils photos. Les puces électroniques faisant de puissants appareils, sont fabriquées à base d’Arsenic. Or, platine, cuivre, aluminium se retrouvent aussi dans nos appareils, tandis que lithium-ion et nickel-cadmium font marcher les batteries. Ces substances sont loin d’être recyclables et leurs extractions mettent en danger la planète.

Le problème de l’obsolescence programmée est aussi un point négatif, selon certains chiffres, un appareil photo reflex aurait une durée de vie de 5 ans.

Stockage

Le stockage d’images est également un problème. Stocker des milliers de photos sur un cloud en ligne, sur des disques durs ou cartes mémoires fait grandir l’empreinte carbone d’une entreprise ou d’un particulier. La production massive de matériel de mémoires ou la consommation d’électricité pour les centres de données engendre un gros impact écologique. D’après l’étude de Veritas, environ 6,4 millions de tonnes de dioxyde de carbone seraient rejetées inutilement dans l’atmosphère en 2020 à cause de données inutilisées ou oubliées (photos et vidéos). Cela reviendrait à faire 575 000 fois le tour du monde en voiture.

Retour à l’impression

Après le pic des photos numériques, on voit revenir des tendances de retour à l’impression avec un accès facilité par la commande via le web. Ces impressions se font sur papier mais aussi sur tout type de supports et objets. CEWE, en place sur le marché bien avant l’ère du numérique installe sa première borne d’impression en 1997. Au fil du temps la marque développe son marché sur le web et en 2019 elle atteint son 60 millionième livre photo.

Quelques conseils pour devenir un photographe “éco-responsable”

C’est difficile de dire laquelle de deux méthodes photographiques entre l’argentique ou la numérique pollue le plus, Au delà du débat de savoir qui de l’argentique ou du numérique pollue le plus il convient de chercher chacune ayant ses défauts et cherchant des axes d’amélioration.

Du côté du photographe professionnel ou amateur, les leviers d’action passent par la prise de conscience de l’impact environnemental que nous avons lorsque nous investissons dans un appareil et lorsque nous prenons des photos (quelques fois en très grand nombre). Essayer de réduire cet impact en changeant le moins possible d’appareil, en favorisant les procédés plus respectueux comme utiliser des produits moins chimiques pour le développement, en prenant moins de photos et en faisant l’effort de supprimer celles qui n’ont pas d’intérêt… sont quelques pistes d’action.

Crédit photos: Reno Laithienne, Toa Heftiba, Ian Dooley, Ivan Bandura et Jon Tyson.

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Histoire de la photographie : des origines à aujourd’hui

The ShotVoice Team — Fri, 19 Sep 2025 11:48:00 +0000

Aujourd’hui, nous sommes immergés dans une civilisation où l’image est omniprésente. Cela nous paraît évident de voir surgir des images, de les réaliser nous-même en un seul clic, mais avez-vous une petite idée de comment est née la photographie ?

Par quel processus est issu la photo ? Quels ont été les concepteurs de cette magnifique invention ? Une vague idée ?

Retraçons en quelques grands lignes cette fabuleuse et un peu folle épopée de la photographie.

Le mystère de la chambre noire

Tout d’abord, il faut savoir que c’est la somme de deux sciences, l’optique et la chimie, pour que la photo existe : une chambre noire, la camera obscura, et un révélateur.

Faites l’essai en grandeur nature : imaginez-vous dans une pièce, entièrement close, où vous ne laissez entrer la lumière de la fenêtre que par un tout petit trou. Vous êtes dans le noir. Quelques instants plus tard, vous verrez apparaître une image (celle de votre rue) sur le mur en image inversée.

Explication : les rayons lumineux qui pénètrent dans une optique (en l’espèce le petit trou de votre fenêtre) renvoient l’image à l’envers. Notre cerveau, lui, a l’habitude de remettre à l’endroit ce que voient nos yeux, plus pratique. Mais poursuivons l’expérience : si on affiche sur le mur de votre pièce un support chimique spécifique, type chlorure d’argent, alors l’image projetée va s’imprimer, elle va se fixer sur ce support et devient une photographie. Simple non ?

Plongée historique avec Niepce, Daguerre, Fox et Lumière.

Quelques pionniers vont, chacun leur tour, apporter une pierre à l’édifice photographique et venir sophistiquer le procédé. Même si la première camera obscura a, dit-on, vu le jour en 1671, une machine à lumière plus élaborée est imaginée par Nicéphore Niepce en 1816 pour capturer les images. Ces images ont toutefois un défaut : elles s’effacent peu à peu à la lumière du jour. En apportant son concours à Louis-Jacques Daguerre, celui-ci va développer,

En 1838, le principe qui prendra son nom : un positif direct sur plaque de cuivre recouverte d’argent pur et exposé à la lumière. Le daguerréotype voit le jour, c’est une photo mais elle reste non reproductible. Une autre invention suit rapidement la première : une immersion dans une eau saturée de sel va enfin permettre de fixer définitivement l’image. En 1839, on peut dire que le développement photographique est né.

De plus, Cinq ans plus tard, William Henry Fox, met au point le calotype, un négatif intermédiaire qui va permettre enfin la multiplication d’une même image. La photo devient donc reproductible ! Ce principe du négatif-positif sera toujours utilisé et ce, jusqu’à l’arrivée de l’image numérique.

L’arrivée de l’obturateur en 1880 vient sophistiquer le temps de pose et donc la qualité et l’intensité photographiques. Quant à la couleur, après quelques balbutiements autour des 3 couleurs fondamentales, le rouge, le jaune et le bleu, ce sont les frères Auguste et Louis Lumière qui, en 1906, proposeront l’autochrome.

Avec toutes ces formidables inventions, bientôt de nombreux studios de photos vont apparaître à Paris. Il est de bon ton d’aller se faire « tirer le portrait » par ces photographes qui manient la chambre avec dextérité. On pense à Nadar qui immortalise beaucoup de célébrités comme la grande tragédienne Sarah Bernard ou les poètes Rimbaud et Baudelaire ; Gustave Le Gray qui devient le photographe officiel de Louis Napoléon Bonaparte ; Eugène Disdéri qui invente le portrait carte de visite (l’ancêtre du photomaton en quelque sorte) ou encore Emilien Sully, chapelier reconverti photographe et qui se distingue à l’exposition internationale d’Art photographique d’Alger en 1910. Les riches familles industrielles raffolent des portraits photographiques en couple, avec enfants ou en solo. La photographie à la côte car elle se révèle moins gourmande et plus rapide qu’une peinture.

Dans le chariot des pionniers

La moitié du XIXe siècle est caractérisée par le goût de la découverte notamment des nations, des peuples, des sites ou des paysages. Malgré la lourdeur et l’encombrement de la technique (chambre, trépied et grands plans films), certains pionniers de la photographie vont devenir ambulants et ne vont pas hésiter à parcourir le monde. La photographie devient l’outil majeur des explorateurs. Citons-en deux.

Edward Shérif Curtis est sans doute le photographe ethnologue le plus exceptionnel. Il réalise avec sa chambre plus de 50 000 clichés sur les tribus indiennes d’Amérique et constituera le patrimoine photographique de ce peuple natif.

A cette époque, les appareils photographiques ne cessent d’évoluer. La modernité de la photographie est soulignée par un délai d’intervention de plus en plus court et qui va, bien sûr, modifier sa relation à l’actualité ou un événement pris sur le vif. Les appareils plus petits, plus maniables avec l’obturateur à volet permettront dès lors une prise de vue instantanée : « On vise, on déclenche ».

Les appareils de l’instantanéité

Ernest Bourgarel, diplomate français qui traverse le monde à la fin du XIXe siècle (Asie, Moyen Orient, Amérique latine), ambassadeur de France en Colombie de 1895 à 1900, saisit rapidement l’intérêt de la photographie. Il va être un des premiers acheteurs de l’invention de Georges Eastman (Kodak) en 1890, le premier appareil photo portable à pellicule souple (en nitrate de cellulose) qui viendra remplacer les fragiles plaques de verre. La révolution Kodak vient de démarrer.

« L’Eastman Kodak apporte l’instantanéité des appareils, explique Charles Henri Dubail, éditeur et dépositaire du Fonds Bourgarel, Grâce à ce petit appareil, certes pas très performant en termes de qualité d’image, tout devenait possible : prendre quelqu’un qui s’avance vers vous, des hommes armés qui passent. La technique à la chambre qui nécessitait « un train de mule » pour être déplacée et dont le rendu était plus statique et moins vivant, va bientôt péricliter et, avec elle, l’« Ave de paso » (l’oiseau de passage) comme était appelé le photographe ambulant en Amérique Latine à cette époque. »

Le principe du système Kodak ? Eastman a cherché à simplifier les opérations. Il a réduit la séparation entre la prise d’une photographie et la partie laissée au spécialiste, c’est-à-dire le développement des images : « Appuyez sur le bouton, nous faisons le reste » soulignaient les publicités.

« Bourgarel, le Colombien » – Le diplomate français du voyage en Colombie au XIXe siècle, (ediSens, 2017).

La petite boutique vintage de l’instantanéité

Qui se souvient du « Clic clac, merci Kodak »

La marque Kodak, créée voilà 140 ans, est réellement révolutionnaire car elle s’adresse cette fois-ci aux amateurs. Le monde de la photographie se simplifie.

La mémoire de chaque famille ne serait rien sans Kodak. Souvenez-vous des instants partagés de vos parents, immortalisés par les bobines jaunes, l’arrivée des Instamatic avec sa pellicule insérée dans une cartouche puis les petits appareils jaunes en carton créés plus tardivement qui ont fait le bonheur des néophytes et des enfants.

Ce que l’on sait moins c’est que l’inventeur de la photo numérique en 1975 c’est Kodak. Eh oui ! Ils avaient conçu un prototype baptisé « film-less photography » qui affichait une définition de 0,01 megapixel ! Mais hélas, le géant va faire le pire choix stratégique puisqu’il décide de ne pas commercialiser son innovation, de peur de tuer le marché de la pellicule qui domine alors. Kodak va se faire distancer rapidement par Sony, Canon et Fuji. En 2012, c’est le clap de la liquidation.

Polaroid, the freshly baked bun

Voilà aussi un produit qui va véritablement bousculer le monde de la photographie. La société Polaroid met au point un procédé à développement instantané en …1948 ! Etonnant ! Cet appareil tout-en-un est très populaire chez les amateurs qui se l’arrachent malgré le coût un peu onéreux des cartouches. Il est très exploité également par les pros qui l’utilisent en tant que test pour contrôler leur lumière lors de leur shooting, quant aux explorateurs, ils n’hésitent pas à embarquer dans leur sac ce Polaroid, en complément, idéal pour offrir à certaines ethnies lointaines leurs portraits en instantané. Objet quasi magique !

En 2009, Polaroid bascule, lui aussi vers le numérique, le Polaroid Two est créé, un appareil numérique de 5 mégapixels avec imprimante incorporée qui permet de sélectionner la photo que l’on souhaite imprimer. Saluons la dimension économe et frugale mise en avant de cette dernière version numérique, toutefois elle ne rencontre pas le succès auquel on pouvait s’attendre.

Argentique, vous avez dit argentique ?

La photographie argentique ne doit son nom qu’au fait de l’exposition d’une pellicule photosensible à la lumière. Ce film plastique est recouvert d’une émulsion, sorte de gélatine, qui contient précisément des ions d’argent et des ions iode. Pour la chimie on s’arrête là !

Mais en fait, on parle vraiment d’argentique que depuis les années 2000. Savez-vous pourquoi ? Il fallait, en fait, distinguer la photographie traditionnelle, dite argentique, face à la nouvelle, la numérique.

Leica, la grande claque

Retour en arrière, en 1905, un ingénieur allemand invente le négatif 24 x 36 mm. Son idée géniale ? Emprunter au cinéma la pellicule 35 mm mais en la faisant défiler horizontalement, ce qui permet d’augmenter la surface utilisable.

En 1924, la société Leica créée un boîtier compact avec objectif fixe d’une qualité exceptionnelle (lentille Leitz, toujours d’actualité) et sa fameuse pellicule 24 x 36. Une véritable Rolls Royce !

Des modèles simples, légers, robustes qui vont séduire et séduisent encore aujourd’hui plusieurs générations de photographes. Le Leica-M sera l’appareil fétiche de Henri Cartier Bresson, Robert Capa, Robert Doisneau, Edouard Boubat ou Marie-Laure de Decker,…. Depuis 2005, Leica se conjugue en mode numérique. Le M10 étant l’ultime version la plus élaborée mais sans pour autant renoncer à la visée télémétrique. (Attention photo différente Leica M10 et non M9 !)

Du grain au pixel

L’ère du numérique a totalement modifié notre perception de la photographie et son rapport à elle. On ne compte plus nos prises de vues en pensant à nos 36 vues et au prix de la planche contact. On rectifie le cadre ou la luminosité aussitôt puisqu’on visualise instantanément nos œuvres. Avec l’IA une photo floue redevient nette et les applications dédiées à la photo rectifient, redressent, re-colorisent, suppriment un personnage ou proposent un ciel bleu éclatant. Difficile de rater une image même si on sait que plus 80% d’une photographie réussie est dû à l’œil et non à l’outil. Sa diffusion et son archivage très faciles sont également des atouts non négligeables.

En revanche, l’argentique offre une meilleure qualité dans les tirages de grande envergure. Le numérique peine, encore à ce jour, en définition lors des agrandissements.

« Moi je cherche le pixel pour situer la photo dans le temps » explique Olivier Thomas, photographe de reportage, « c’est une sorte de datation de mon travail.

Il y a eu la période du grain, plus ou moins fin, et puis l’arrivée du pixel. Les outils numériques ont leurs qualités et leurs défauts. On ne fait pas une photo aujourd’hui comme on la faisait avec un appareil argentique. Et quand on se sert du numérique pour faire des images à la manière de l’argentique, on commet une grave erreur à mon sens.

Tout comme la vidéo à ses débuts, face au 35 mm, avec ses images qui manquent de précisions et qui offraient une texture particulière, le numérique a ses atouts et il faut précisément jouer avec celles-ci et ne pas tenter d’imiter ce qui a déjà été produit. Et puis, il y a un point qui me paraît essentiel, le numérique invite à la profusion des images, on soigne moins ses clichés et globalement si je fais l’analyse de mon travail entre l’argentique et le numérique, je remarque que le nombre de bonnes photos sur un reportage sont moins nombreuses en numérique qu’avec mon vieux argentique. Cela donne matière à réflexion ».

On l’a compris, ça balance pas mal entre les deux. Le numérique a immensément popularisé la photographie, a fait connaître le travail de photographes talentueux grâce aux réseaux sociaux et aux apps incroyables existantes sur le marché.Pour les nostalgiques, des applications modernes numériques proposent des rendus photographiques des appareils de légende : Instamatic et Polaroid sont désormais proposées par l’application Hipstamatic. Couleurs fanées, contours effilochés tirant vers la surexposition mais ne nous leurrons pas, là on parle de texture vintage, en aucun cas du concept de la photo instantanée.

Quand le numérique aide à plonger dans le passé : l’impression 3D

Et si certains photographes, lassés par le numérique, veulent revenir aux sources de la photographie, le numérique propose aussi une remontée dans le temps. L’impression 3D classique, la technologie FDM (Fused Deposition Modeling) est utilisée pour la reproduction de nombreux accessoires mais côté appareil photo, l’offre est, parait-il, moins performante.

Les modèles les plus reproductibles sont le sténopé (rappelez-vous l’exercice de la chambre et du trou dans la fenêtre). Le site pixelvalley.com vous propose un sténopé numérique à réaliser par vous-même !

Concernant les vrais appareils photos, deux innovations : Il y a l’Open Reflex de Léo Marius, un boîtier en open source compatible avec les optiques Nikon mais qui propose seulement une ouverture unique au 1/60 s et le SLO, créé par Amos Dudley, un compact à focale fixe dont tous les éléments (même l’optique) sont imprimés en plastique.

En conclusion, Après ce tour d’horizon assez vertigineux, que l’on soit amateur de la chambre photographique, encore présente de nos jours, fan de l’argentique ou adepte des nouvelles technos et du numérique, seule dénominateur commun qui ne changera jamais et qui constitue le talent absolu du photographe : votre œil. A bon entendeur salut !

Crédits Photos: Mick Haupt, Kodak B rand,

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